【论文大全】导语，眼前阅读的此篇文章共有13052文字，由云东小详细更正之后，发布到范万文网(fwan.cn)！自然，从最广泛的意义上说，是自然的、物理的、物质的世界或宇宙。“自然”可以指物理世界的现象，也可以指一般的生命。对自然的研究即使不是科学也是很大的一部分。尽管人类是自然的一部分，但人类活动通常被理解为与其他自然现象不同的类别。浅析声乐演唱中紧张与放松的意义_音乐论文五篇假如你对此篇文章有什么独特的建议，也可以上传分享给大家！
[论文关键词]声乐技术 紧张 放松
[论文摘要]本文从发音、共鸣、音域、力度、呼吸、舌的位置、喉头、吐字咬字、姿势表演等各方面，加以阐述紧张与放松的重要性以便从多个角度具体对声乐教学和演唱有一个整体考虑。
在声乐演唱中，紧张与放松是不容忽视的问题，因为任何演唱者都会遇到该问题。所谓紧张与放松就是该用的用，不该用的不用。本文通过对声乐演唱中心理状态上、技术层面上和音响美学上还有艺术表现上，来论述什么是紧张与放松及其重要性。
一、心理状态上
演唱是一项高级的生理和心理活动，正确的生理状态为前提，但是正确的心理状态也必不可少，有时候心理状态将导致演唱生理状态上的变化。故演唱时一个良好的心理状态也是非常重要的。
在参加声乐演出时，演唱水平的高低，与当时的心理状况足有直接关系的。也就是说，在良好的心理状态下，你的演唱水平能够得到充分地发挥甚至超长发挥。相反在处于紧张失控的心理状态下，必然会导致你演唱水平不能正常发挥，而使演出失败。严重甚至会造成歌唱失去信心，对参加声乐演出产生恐惧的心理。总之，过于紧张在某种程度上会使演唱者失去自控的能力，从而导致演唱效果不佳。
1、技术因素：由于基本功不够，对声音控制达不到要求，心理上的技术障碍，未开口先就有怕唱的心理负担，导致心理紧张。
2、对作品准备不充分，思想和感情易受外界干扰而紧张。WWw.0519news.coM
3、缺乏较好的基本功和表现能力，更缺乏当众演唱的实践，由此产生呆板僵硬，手足无措。
4，心中杂念太多。看到其他人唱的好，心理有恐惧感：怕唱不好，产生紧张的心理负担。
二、技术层面
下面通过对呼吸、共鸣、音域、力度、呼吸、舌的位置、喉头、状态、吐字咬字、姿势表演等方面，分别来论述一下紧张和放松的重要性。
1、共鸣：正确的共鸣发声体，就是一个振动体传到另一个振动体。唱低音时，要保持同样的共鸣感，就好像唱高音送到头腔去，喉头不能移动、下巴要保持放松。否则会加剧发声器官的紧张度，最后必然会失去自然、优美的声音本质。
2、发声：也是声乐技术中比较重要的一点，要防止声带过于松垮，不积极靠拢闭合去挡气。应从声带靠拢闭合前，先有一部分气息流出或流失，然后再闭合声门，使声带有紧张的状态，从而发出声音。嘴的两边必须松开，同时使下巴下垂，才能发出报优美很放松的声音。所以在发声训练中，紧张与放松都起到作用。时时保持住这种状态，才能有美妙的声音。
3、音域：音域是指歌唱时嗓音的范围，是指最低音和最高音之间频率能够改变的次数。有的人说音域高低是先天的，其实不然，它也是通过练习和放松的感觉形成的。放松的时候。如果唱高音的时候就会非常容易，但如果紧张的唱高音，就容易产生许多杂音。但唱低音的时候就不一样了，如果过于放松低音就唱不下去了，会没有声音也很闷。但如果少许紧张一点，声音就会发出来，立起来，声音听起来很圆润，有一种厚重感。所以紧张与放松密不可分，都要适度。
4、力度：力度是指影响一个音的激起、保持和唱出的动作和力量的机理术语。音量、活力和强度都是力度的一部分。力度还指一个音的洪亮或清柔程度，音量的大小与紧张和放松密不可分。保持积极的状态，音量自然是先大后小。而保持放松的状态，音量就会随着作品的处理来走。想强就强，想弱就弱。活力与强度，紧张的时候强度武力，出来的声音也不受控制。而放松时声音却不是先大后小和先小后大，力度全由你掌握。所以说，力度方面就应该保持积极放松，不应太过于紧张。
5、舌的位置：舌的位置也是声乐技术中紧张与放松应注意的问题。正确的技术是舌头放松自然平放在口腔中，舌尖抵住下面的牙齿，这时候，喉头软骨垂直，有利于把声音放松自然的送出来，增加共鸣，松弛向前的舌头，把喉头软骨拉向前直立，歌唱时声音和气息就会通达流畅。所以舌头有特别的灵活性，它能向各方向翻动或让它保持放松的口腔底，这就是舌的位置应该有的状态。
6、呼吸：歌唱家菲尔德对呼吸的解释是：将空气吸入肺部，为血液供氧并将它净化，随后将气体呼出体外的过程或运动。呼吸最重要的要依赖于横膈膜，它是一块肌肉，它必须立刻放松。吸气肌肉群运动代表紧，呼气肌肉群运动代表松，吸气运动群紧张的适度，会使呼气肌肉群松得适度，从而使呼出的气非常均匀、自如、不浪费一点儿气，呼吸得到控制。声音得到气息支持这就叫松紧平衡。这些都是可以用意志和训练方法加以控制的。吸气的慢动作要协调一致，要放松，绝对不要一点挤压、僵硬和紧张的感觉。特别应当注意胸部是自然提起的，但又是放松的。胸部紧张是高音唱不上去，而且没有持久力的主要原因。但呼气时小腹向上收缩，腹内紧张度逐渐放松下来，腹肌紧张度要加强。所以只要抓住放松的状态，声乐的学习就会大大缩短。 7、喉头：声乐学派就是在喉上做工作的学派。歌唱时要精神振奋、生气勃勃，面部肌肉不可紧张。喉不可紧张，要有放松状态。软腭要放松而适度抬起，上下前后与喉头的关系，既是对抗的又是统一的：既是紧张的又是放松的。只有这种正确的生理发声吐字机能状态。才能把字吐清楚。
8、吐字、咬字：吐字的解释是：“清楚准确的形成，吐发和传送出语言的基本音响，并把这些音响结合起来，成为顺畅连续的形式。吐字与咬字，与紧张、放松有着直接的联系。”自然放松的咬字可以使声带腔体处在放松的状态，共鸣自然就能出来。加以情绪上的控制，共鸣位置就越高，多练咬字练习，是为了解决腔体紧张。自然放松的咬字可以使声带腔体处在自然放松的状态，吐字也是一样，保持自然放松的发出应有的状态，使字字句句都能让听众听清楚。
9、姿势、表演(形体)：歌唱时的正确姿势就是自自然然的站着。这里也存在着“松”和“紧”的辩证统一，人要站立，无数肌肉就要积极活动来抵抗地心的吸力，还要平衡连接一根根骨头的关节压力与拉力，这种肌肉的高效活动就是紧，但同时又要避免不必要的紧张，身体的自然挺立要像倚着墙，或靠着树干，那样既挺直又放松自如。有一种舒展的感觉。所以紧张与放松要把握得适度。
三、音响美学
1、人们感知音乐主要靠听觉，那起伏的旋律和多彩的音色，只有作用于听觉才会被人感知，否则音乐美便会失去作用。
2、使声音表达得完美。也就是符合音响美学的声音。其实它说来容易做到难。而能否鉴别什么样的声音是放松的，则是自己能否放松的前提。
3、我觉得放松是相互的，而不是绝对的，再说也要分哪放松。其实我觉得唱歌是外松内紧的感觉。放松的声音必须是观众听起来感到轻松的，包括高音。这就提到不光是声音，还有大家听到声音时的感觉，如果歌唱家在台上放松的演唱，声音很美妙，台下的听众听起来，也会很舒服。
4、还有就是演唱者怎样表达歌曲的内容，如果歌唱家将一首很缓凝很柔和的歌曲，表达不出歌里的情绪，那听众就会有紧张的心理。如果歌唱家将每首歌的内容都表现的淋漓尽致，那听众就会听的很自然、很放松。
四、艺术表现
世界上一切的优秀歌唱家之所以能使广大听众为之倾倒，受到公众的热烈欢迎和喜爱，除了具有良好的嗓音和高超的技巧外，最重要的是他们的歌声准确生动的表达歌曲的内容和真实的情感，引起观众内心的共鸣，给予听众美的享受和情感的感染。如果他们没有深入理解歌曲的内涵，没有领会歌曲的意境和音乐的美，即使有再好的条件，也难以做到自然的歌唱。
紧张与放松的问题是这一辈子都要解决的问题，不是毕业就解决了，而只是开始。其实声音的放松是许多部位不放松的结果，其主要性就在于在学习和教学及歌唱当中，给予足够的重视，也使今后的演唱和教学有一套整体考虑。
[论文关键词]歌唱机理 噪音保护
[论文摘要]如何保护嗓子，歌唱的机理是怎样的，这是所有噪音职业工作者尤其是广大专业和业余声乐、戏曲工作者所关心的问题，要保护好嗓子，首先必须对人体发声器官的解剖构造、发声生理有所了解。
发声系统的器官可分为四个部分：1、动力部分即呼吸器官，包括肺、气管、胸廓、横膈、腹肌等；2、声源部分即振动器官，包括喉部声带：3、声腔部分即共鸣器官，包括喉腔、咽腔、口腔鼻咽腔等；4、部分即吐字器官，包括唇、齿、牙、舌、喉。
人类发声生理的全过程是由大脑中枢神经系统控制，它发出发声运动信息，通过运动神经输出，到达各部发声器官。首先是呼吸器官，在呼吸肌的作用下，使肺、胸廓扩大与收缩，产生发声动力的气息。这气息通过由喉肌作用闭合的声门；引起声带振动，产生喉头原音，声音经过喉腔、咽腔、口腔的过滤、共鸣的扩大，再经吐字器官舌、齿、唇、牙、喉的作用，最后形成带有性的人声。还需要进行反馈过程，即首先由听觉器官的耳朵，接受自己发出的声音，由听神经将音感信息输入大脑；同时发声器官本身的感觉，如呼气用力的强弱，声带闭合张力的大小，以及咽腔、口腔和舌、齿、唇的运动正确与否，由这些发声器官的肌肉、关节所产生的运动本体感觉信息，通过感觉神经同时输入大脑。经过大脑综合，将信息加工处理后，及时做出正确的发声指令，再由运动神经将信息传输给发声器官，使它发出正确的、合乎要求的声音。如此反复不已。这就是人类发声的自动控制和反馈的全部程序。wwW.0519news.coM
人人都会说话。人人都能歌唱，但要做到高度艺术性、技巧性的歌唱，则不是一般人都能达到的。必须经过长期学习、反复训练，才能在大脑建立歌唱运动的动力定型，即建立歌唱艺术运动的程序——信息的存储，指令的传输及发声的反馈系统。这样才能达到日臻完善的演唱技巧。
嗓音嘶哑的原因很多，对于嗓音职业工作者来说，常常由错误的发声方法滥用嗓音和全身状况不良所引起，但是这三者是互相影响、互为因果的。然而错误的发声方法常常是嗓音嘶哑的主要原因。现将如何保护嗓子，从以下三方面加以介绍。
首先必须不断地提高发声技巧，纠正错误的或不甚完善的唱法。属于唱法的缺陷主要有以下一些。
1、呼吸运动失去平衡：呼吸是歌唱的基础，呼吸器官是发声运动的动力部分，歌唱的呼吸简单地说是以胸腹式呼吸为主，在呼吸肌群使胸廓保持半吸气状态下，由腹肌控制着腹压的变化，使横膈因歌唱气息的需要上下运动来变换胸腔的压力，控制着气息的流量和压强。不正确的呼吸方法，可使呼与吸两组肌群的机能失去平衡，歌唱时气息失去控制，致使呼气的力度与声带闭合的张力之间失去协调，因而不是“气冲”就是“漏气”，以致引起喉头出现“挤”、“卡”现象，使声带经常受到强烈气流的冲击，造成声带粘膜充血、喉肌疲劳等，因而丧失了正常发声的能力。
2、调节声带发声的肌肉失去平衡：控制声带张力的肌肉分为甲杓肌组和环甲肌组。发“胸声”时，声带做整体振动，主导肌肉是甲杓肌。发“头声”时，声带做边缘振动，主导肌肉是环甲肌。发声时由低到高，由“胸声”到“头声”，是由这两肌组机能互相协调变换的。其机能的获得是声乐艺术家长期进行刻苦锻炼的结果。但是发声方法不良的人，往往不能掌握或掌握不好这种技巧，常常单用一种形式演唱，如仅用“胸声”发声，当唱到高音时，仍是声带做整体振动，结果唱到一定的音高时即出现发声困难，如果勉强唱高音，则势必使用强烈呼气，缩紧喉腔，结果声带会充血、水肿，甚至发生甲杓肌无力症。相反，不用“胸声”而长期应用头声歌唱，必使环甲肌运动过度，出现喉肌运动动力平衡失调，初起尚能唱高音，低音则表现空洞无力，最后高音也将出现障碍。
3、调节共鸣的方法失当：歌唱时喉头发出的喉头原音，经过喉腔、咽腔和口腔。这些声腔是随着发声的需要，调节着腔体的形状、大小、长短，产生适宜的过滤、共鸣和扩大。如将这些可变共鸣腔调节得太宽太短，会失去与声带共同协调阻抗声音的作用，因而增加声带的负担。声带由于受到强烈呼气的冲击，会失去正常的能力心必将可变共鸣腔调得太细太小，使声腔阻抗系数加大，则发声难以得到最大的共鸣效果，发出的音量必定很小，使人感到喉音很重。同时又因为发声效率较差的关系，发声时喉部各肌肉势必加倍努力，结果喉肌易于疲劳，久之即可发生咽喉部的慢性炎症。
其次是合理使用嗓子，防止滥用嗓音：
1、必须遵守循序渐进的学习原则。每个人嗓子条件不同，身体健康状态不同，歌唱技巧水平不同：所以，学习歌唱一定要循序渐进，不可好高骛远，急于求成。学生在中声区未能正确运用及掌握时，不要过早扩大音域。尤其是过多地猛练高音，过度演唱力所不及的歌曲。过大地大音量，这些都容易发生运动过度性喉病。
2、要正确地鉴定声部：声部和发声器官的条件必须相应的协调，声部确定错了是引起声乐学生坏嗓子的常见原因之一。声部的确定，不能凭个人主观愿望。尤其对难以确定的学生，应作多方面的研究，与有经验的声乐教师和喉科专业医生共同商讨，必要时，甚至可以试行训练。从中观察，以求得正确的判断。
3、使用嗓子要注意劳逸结合，不可过度使用，就是演唱方法比较好的演员，过度使用嗓音，亦可产生声带充血、水肿、肥厚等。初学歌唱的人，每日练声1-2小时左右，一次不超过20分钟。有经验的演员，一天的练习也不要超过3小时，每练唱半小时，应休息10-15分钟。
再者，歌唱是全身心的劳动，是高度艺术性、技巧性运动，所以必须注意保持身心健康。
1、要根据个人身体条件，做一定体育运动，以提高身体素质，精神旺盛，心情舒畅。睡眠时间要充足，这样演唱时才能精力充沛，声情并茂。同时注意寒暖，患感冒及上呼吸道感染时，要及时治疗和声休。注意饮食，少用性食物，尤其在暑热天气演出时，慎用冷饮，以免招致突然音哑。
2，要戒烟戒酒，因烟酒不仅影响全身，而且可以直接危害发声器官。吸烟的人常有咽干、痰稠、干咳等自觉症状，是烟中的有害物质上呼吸道的结果。长期吸烟者能导致声带发生息肉样变，致使嗓音失去光彩以致嘶哑。饮酒，尤其是饮烈性酒，可以咽部和喉部人口及杓区的粘膜，使之充血、水肿，影响发声。
3、演员用药应有所选择，因为有些药物可使嗓音发生异常变化，影响正常的发声功能。如治疗过敏性疾病的苯海拉明类药物，服用后会出现咽干、嗜睡性副作用，治胃肠病的解痉药物，如颠茄用后能使咽喉正常的粘液腺分泌减少，产生咽干舌燥，嗓音失去光泽，所以这些药物在演出前勿用。
4、女演员行经期声带的反应因人而异，有的人可以出现声带水肿、充血和声门闭合不全等，所以应根据具体情况，减少演唱甚或完全声休。妇女妊娠6个月后应停止演唱。产后由于腹肌、膈肌松弛，呼吸肌控制的能力减弱，所以不要过早地恢复演出，要经过一定的腹肌训练和发声训练后，才能恢复演唱。否则，常易发生喉病。
5、应科学地对待少年的变声期。变声期在戏剧界称之为“倒仓”，它是儿童到了青春期，由于内分泌腺的作用，全身发育长大，这时喉头声带长大变长，嗓音相应发生了突变。在此时期应适当声休，节制用声，如过度用声会影响喉部正常发育，致使喉部发育异常或出现变声性发声功能障碍。
最后还应加强歌喉保健的医学监督，有条件的文艺单位，应设专职喉科医生，负责噪音治疗和医务监督，定期地对每个演员做发声器官的保健检查，制定必要的嗓音保健制度。每个演员也要珍惜自己的嗓子，主动与医生合作，这样才能早期发现喉病，及时得到治疗。
【论文关键词】音乐；节奏；旋律；健美操
【论文摘要】文章从音乐的节奏、旋律、和声三大要素入手，提出相对于健美操来说，健美操音乐主要涉及节奏和旋律两大要素，并在此基础上进行音乐作用的探析，从而为今后的健美操教学提供理论依据，更好地提高其教学效果。
一、音乐的要素
节奏、旋律、和声构成了音乐的三大要素。而相对于健美操来说，提起音乐，主要涉及节奏和旋律两大要素。在节奏的基础上赋予一定情调便形成旋律。健美操练习是在强劲的音乐伴奏下进行的，所以音乐的节奏和旋律必将影响健美操动作的幅度与力度。音乐的节奏能加强对动作的记忆。同时，健美操是由类型、方向、路线、幅度、力度、速度等不同的多种动作组成的，而这些动作只有和音乐的节奏和旋律完美地统一起来，才能产生较好的审美效果。健美操是一门艺术性的项目，在音乐和动作双重节奏的旋律法则的作用下，可以提高动作质量，增强动作的表现力。
体育美学认为“节奏就是使不整齐、不规则的动作或声音，在单位时间里达到相对规则的次序。它是体育和艺术（尤其是音乐、舞蹈等）都必不可少的要素之一”。实践证明,音乐节奏可以控制和诱导运动员动作的频率和幅度及比赛中的心理状态。因此,在有音乐或类似音乐节奏变化的环境中进行体育训练、运动竞赛等,有利于改善神经反应的节律性规律,提高运动员肌体协调能力;同时音乐还有助于约束运动员的注意力和思维,控制其心理活动的指向,使技能练习更具实效,从而达到提高训练和比赛成绩的目的。Www.0519news.coM音乐的节奏性规律对运动员心血管系统和呼吸系统能产生积极影响。从生物学的角度讲,音乐节奏能改善神经反应的节律性规律,使运动员正确感知动作的不同阶段和在不同阶段采取的不同动作节奏、速度,并且音乐节奏直接控制着运动员的动作速度、节奏以及动作之间的连贯效果。
二、音乐在健美操中的作用
健美操是随着音乐节奏的起伏变化来完成动作的,而节奏是体现力度、情感的基础,舞者只有准确地把握住节奏,人体线条的流动和情感流动才能水融地结合在一起,各个健美操动作才能在方向、力度、幅度、速度等方面显得更有性格、特点和意义。健美操作为一项体育运动项目，它体现了人体在力量、柔韧、节奏感、表现力等多方面的综合能力，是音乐节奏与身体动作节奏相结合的产物，音乐节奏决定动作的节奏。练习中借助音乐的节奏使练习者找到动作节奏，找到做操的正确感觉。健美操动作之间的连续性运动，正是在音乐节奏的映衬下，通过动作之间的长短关系、力的强弱关系、速度的快慢关系、幅度的大小关系等各种动作要素的对比组合，有机地编织在一起，展现出人体动作的“健身、力、美”的效果。音乐节奏是健美操动作节奏的关键。同时也提高了动作的准确性，更加准确掌握和运用肌肉的收缩和松弛，充分表现出动作的自然、弹性及波浪起伏，有利于正确的掌握动作，增大动作的幅度，增强动作的力度，使动作协调较快地形成动作的动力定型，提高教学效果。
在健美操练习中，在音乐伴奏下，使练习者产生联想和想象，进而在其头脑中形成情感的意象，能激发人体做有节律的、美观大方的动作，使练习者得到健美操运动的节奏感和韵律性的提议，从而得到情感与运动共鸣的享受，并激起练习者在较长时间里唤醒人体运动情绪的狂热，并使练习者的内心受到音乐的感染，起到振奋精神的作用，并将进一步渲染、强调、烘托动作。利用内在情感的表达、情绪的渲染，练习者在练习时能进入角色，随着音乐节奏、旋律的起伏变化，做到内在情感和外部动作的和谐统一；通过音乐直接作用于中枢神经系统，提高大脑皮层的兴奋性、灵活性和协调性，增大动作的幅度与力度；还可以创造出良好的教学氛围，激发一种跃跃欲试的情绪，增强取胜的信心，增强表现力；可以使人的情感运动与音乐的情感发生直接的联系，产生出人体运动美的深刻内涵，使人体的动与情、形与神、身与心相互交融产生共鸣。健美操动作只有与音乐的内在形象达到高度统一,才能完美、准确地表现出动作的刚劲、连接的巧妙、起伏的柔美,以及动作套路的艺术性和创造性。通过音乐的烘托作用,更加突出了健美操的艺术感染力,使两者达到“操中有乐,乐中有操”天人合一的境界。在健美操教学中如果忽视了音乐这一重要环节，教学效果会受到很大影响。
三、结论与建议
音乐是健美操的灵魂，而表现力则是实现音乐灵魂的唯一，是健美操艺术的升华；音乐是健美操的基石，没有音乐就没有健美操。为使健美操教学获得更好的效果，必须重视音乐的作用，运用听、讲、看、练、编等教学方法，来提高学生的音乐素质、节奏感，提高学生动作的韵律感及完成动作的协调性。同时，还可以提高学生学习健美操的热情，激发他们的内在情感和表现力。
由于音乐在健美操教学中有着不可取代的作用,其意义是十分深广的，音乐教育在促进学生德、智、体、美、劳诸方面的全面发展有着特殊的作用及意义。所以我们的教学内容不应当仅仅局限于体能、技巧的训练,同时应加强学生音乐素质的培养,使学生在健美操运动中能与音乐进行充分地交流和体验,并使之体现在健美操运动的动作之中,体现出健美操运动所应当具备的内容美和艺术美，从而提高健美操的教学效果。
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散文的语言节奏主要是自然的由语法及日常习惯的口语体系形成，诗歌的音乐性主要由两种与散文语言不同的节奏引起：一是韵节奏引起的回环往复的韵律作用，这占了诗歌音乐性中绝对的领导地位，是诗歌音乐美的核心；二是音节（或节拍，音步）数量的多少或整齐程度形成一定的并不是说它不重要，实际上它起到了形成不同诗体的作用。
如《诗经》的标准诗行为八言，中间停顿一下，每八个字、两句话的最后一个音与前行或后行的行末尾最后一音同韵。五言诗实际上十字一押韵，以十个音为一标准诗行，七言诗实际上是十四个音一押韵，以十四个音为一标准诗行。楚辞体，宋词体，赋体，元曲，还有些现代歌剧，戏曲，地言戏，歌词，歌谣，都因其所建标准诗行在音节数上的不同和整齐度的差异而形成不同风格的诗体。所以诗体的不同却主要于音节或音步形成的节奏有关，我称这种节奏为音节奏。
但尽管如此，诗歌的音乐性效果总体讲却还是由于韵节奏引起的，节拍这种音节奏在诗歌的音乐效果的作用上并不大，略微起到了加强音响的作用。不管怎么不同的节拍或音节，或整齐或参差，最后在形成诗歌的音乐效果上总体说来还是音韵这种节奏所起的作用最为强烈、显明、响亮。单从音节或音步不同，却可只要一组组的诗行同韵，这些诗歌所生发的韵律效果却还是十分显明的，只是其旋律的徐缓度有所不同而已。如果没有韵律，如果没有标准诗会的存在，只是一些排列整齐的语句摆在那里，每行音步或音节再整齐，这些的文字亦然难以产生音乐美的效果，给人的感觉还是散文的味道。
音节的多少主要引起诗歌在旋律上或者紧迫急促或者徐缓悠长或者界于这二者之间的某种程度。WWW.0519news.cOm可以说随音节数的增多，诗歌的音乐性效果在不断减弱。当诗行的音节多到二三十个的时候还勉强能感觉到诗在上的音韵效果，但如果音节继续增加，就可能导致其音乐性完全消失，比如一行多到40-60个音节以上的时候，我看就无疑成了朱光潜先生所说的那种“多音散文”了，它不再是诗歌，它已从本质上发生的变化，由25字以内的诗到50字之内的散文诗再到多音散文最后到音韵的效果完全消失至普通的散文。从这方面讲，音节奏起到了调控诗歌韵律密度的作用。韵节奏的跨度愈大，诗歌的韵律性愈差。韵节奏的跨度是由音节奏的变化所导致的。音节奏决定了诗行中音步或音节的多少，从而由它而形成了不同的诗体，或一言，或二言，或三言，直到二十言甚至三十言左右。
韵节奏以标准诗行为单位，一个标准诗行就是一个韵节奏。同一韵脚结尾的一个诗句就是一个标准诗行，有时为兼顾音节的7整齐标准诗行里也允许有同韵结尾的别的词组或句子的存在。所有的诗歌，只要是“有音律的纯文学”，只要它有显明的韵律，都可调整成标准诗行来进行，进而比较其韵节奏与音节奏之间那种微妙关系。
我所称的音节奏（或拍节奏）指的是由节拍或音节或音步形成的节奏，是指每一韵节奏内部更小的一个个音节或一组组音步。音节奏通过一行行相同或不同的音节音步在时值上的相同或不同，在人的听觉中或在人心灵的感受中，形成整齐的或较为整齐的声音段的比较，这种比较可能会使人联想到音乐中一节节的音符所起的作用。也可能正是这种原因，使音步论者紧紧地抓住这个特性不放，并使之在诗论中不断地发扬光大。但任何事物内部都是由矛盾的两个方面组成的。对于诗歌来说，无非就是韵节奏与音节奏这一对立统一的矛盾体在相互作用，音节奏有其不可忽视的调节韵律密度的作用，但它在音乐性的效果上还是为韵节奏服务的，是协助韵律来完成诗歌的音乐性效果的节奏。
在事物的一对矛盾中，总有一个起决定意义的作用的一方，在韵节奏与音节奏中，也是一样，在诗歌的这对矛盾统一体中，起决定作用的是韵节奏，韵节奏是诗之所以为诗的原因，而音节奏却是决定诗歌是否优美的一种节奏。诗歌的定性作用取决于韵节奏，在确定了诗歌是诗歌的基础上，诗歌是什么诗体和诗式就决定于音节奏了，在音节奏的协作下，韵节奏与音节奏一起相伴着载歌载舞，共同为诗歌的音乐性贡献了各自的能量。诗歌的旋律，因韵节奏的作用，及由韵节奏所领导的音节奏的协同作用，使诗歌的音乐美得以发挥其音乐性效果。
音步论以音步为最小的节奏单位，每一音步由一至四个音节组成，赵延光先生认为音步可由一至六个音节组成，我私下以为，也有人主张一至二个，一行诗可由一至数个，一般不超过六个音步。音步学说中另外还有十分不明确的地方，就是没有确定标准诗行这个概念4，都是从原作者随意分的行去进行的，这是很不科学的方法。我觉得以一个字一个音节这种最简单的自然音节为节拍更为理想，没多大必要去把诗句那么一个个音步去组织或诗行。诗歌怎么朗读完取决于作者或读者自己根据自己对诗歌的不同体验去感觉，去琢磨，没有必要给诗句定怎么停顿，人也知道大体上怎么停顿。
节奏就是音的行进与停歇之间的矛盾运动。在诗歌中，有五种停顿最为明显，是每个人都能够感觉到的停顿：一是在标准诗行的韵脚处，在此停顿的时间最长，二是在语法上断句的地方，大多为诗行内的逗号处，这里停顿的时间较短，三是在句中，在句子内部，一个句子成分与刚刚结束的下一个句子成分的开始处的短暂停歇，四是在同一句子成分内部一个词与下一个词之间更为短暂的过渡，五是词或词组中字与字间由前一音到后一音的滑动时轻微的停顿，以便使字与字之间的声音让人能感觉出来。后四种都是除韵节奏之外的每一韵节奏内部的节奏，可称为音节奏，它其实跟散文的停顿已经十分接近了。所以诗歌最根本的节奏还是韵节奏，音节奏协助韵节奏形成诗歌的旋律。
论文关键词：声乐表演；心理；调控
论文摘要：歌唱艺术是人类的精神产品，歌唱者在演唱技巧和声乐表演上，自始至终都贯穿着复杂的心理活动。良好的心理素质以及正确的心理调控是歌唱者提高演唱水平的重要基石，更是歌唱者在声乐表演时完整表现艺术作品的有利保障。
一、初次登台的声乐歌者的心理问题
初次登台的声乐歌者，出现心跳加速、手脚紧张等问题，是由于过于紧张而引起的生理现象，有过歌唱表演经历的人都知道，很少人能够做到心情平静信心十足地登上舞台。心理学研究表明：人们在日常生活中，经常会遇到各种各样的困难和障碍，为了实现自己的目标，就必须克服困难。然而困难的出现和克服，往往会引起人们内心的不安和紧张，严重时就会给人带来恐惧，形成焦虑。
人们的一切行为不论正确与否，都是在自身心理活动的支配下进行的，任何心理活动都有发生、发展和完成的过程。歌唱者的“怯场”现象在发生阶段表现为：候场前的心跳加速、呼吸急促；发展阶段表现为：歌唱时手脚发抖、全身冷汗、忘词跑调、高音唱破等；完成阶段表现为：唱完后大脑空白、失去信心、形成恐惧等。这种心理活动，一旦变成心理障碍，就会使歌唱者对自己失去信心，失去歌唱欲望和表演热情。
二、对声乐表演技能的理解与调控
声乐作为一门表演艺术，是演唱者内心的情感、认识和需求，用歌曲为载体的一种表达、抒解和信息的输出。wWW.0519news.COm通过表达、抒解和信息的输出，使歌唱者取得一定程度的精神满足，心理压力得以缓解，心理平衡得以恢复。要想使演唱过程都能达到歌唱者的预期效果，除了生理因素的制约之外，心理调控对歌唱者的演唱状态同样起着关键性作用。歌唱技巧的掌握，依赖于歌唱者通过感觉和抽象的理解去控制发声机能。因为在声乐学习中，人们无法利用视觉器官的功能，只能凭借直感（悟性）调节自身有关机能的活动。
培养“调控”心理应该多加强舞台的实践活动，多上台多表演多实践，尽可能体会舞台感觉和驾驭自己的能力。歌唱者通常在上台前，需稳定自己的心情，要体会自己在练声、练唱时的感觉，并在心里默唱一下将要演唱的歌曲，这样的松弛不仅有利于表演，更有利于发音器官和生理机能的协调，也能避免因心理紧张、僵化、呆滞而造成破坏声音自然流畅的现象。歌唱者在舞台上演唱时，要把注意力和兴趣投放到表演的过程中去，不要把听众当成前来挑毛病的检查者，否则只会增加自己的心理负担；歌唱时应该把听众当成朋友，用歌声向他们真心倾诉情感、传达艺术，这样的心情就会放松，演唱就能处于可控状态；歌唱者在舞台上还要有落落大方的台风，上下台的步态以及演唱中遇较长的过门间隙时，表情感觉都能与乐曲内容吻合……。
初次登台的声乐歌者，在舞台上注重心理调控，不仅能淋漓尽致地发挥自身的演唱技能，更能轻松自如地表达歌曲的情感，取得预期的演唱效果。
歌唱艺术通常分为两个创作过程，词曲创作是歌唱作品的第一创作过程，演唱者对作品的艺术表演是歌唱艺术的“二度创作”过程。演唱者通过对作品意境的深刻体会，对作品含意的深入挖掘，全面掌握歌曲的风格、准确把握情感的基调后进行二度创作，这样的歌唱能生动地表达声乐作品的思想感情，可使声乐作品的魅力得以充分的展现，是“有灵魂”、“有血肉”，能“号召人”、“感化人”、“打动人”的歌唱。
歌唱艺术的二度创作过程，也是歌唱者情感的投入过程。歌唱者情感投入地进行歌唱，就能让歌唱者“身临其境、声情并茂、以情带声”，也能使声乐作品产生“人物感”。人物是组成艺术形象的主体核心，叙事性文艺作品，大多是通过对人物和人物的活动及其相互关系的描写来刻画人物性格、塑造人物形象和揭示生活意义、展现人生理想的。人们常说：“演员应当演什么象什么，应该惟妙惟肖地刻画人物”。我国杰出的京剧表演艺术家梅兰芳先生，在半个多世纪的舞台实践中，继承传统、勇于创新、一丝不苟、精益求精，将我国戏曲艺术的精华集于一身，创作了众多优美而令人难忘的艺术形象。
在声乐作品表演艺术中，很多著名演唱家，运用自身的音色、音质、乐感等特点，深刻体会声乐作品的意境、认真塑造作品人物的形象，进行二度创作后登台演出，最终成就伟大歌唱家的先例甚多。西班牙著名男高音歌唱家普拉西多·多明戈，以演唱《茶花女》中的阿尔弗莱德角色跨入世界著名男高音的行列，从而铸就了他辉煌的一生；我国著名男中音歌唱家廖昌永，在20xx年出演了由多明戈指挥华盛顿歌剧院演出的威尔第歌剧《游吟诗人》中卢纳伯爵这个角色，获得了相当辉煌的成功，就是相当挑剔的《》也撰文称赞：“在这个世界杰出歌唱家跻身的地方，最耀眼的明星是来自中国的廖昌永。他对威尔第歌剧准确的把握，使他犹如一位天生的威尔第歌剧的歌唱家，全身都散发着威尔第的气息；他坚实、优美、浓郁、醇厚的音色和音质以及流畅的气息和无与伦比的艺术感染力，使得肯尼迪中心又一次为之疯狂。我们坚信这位天才的艺术家将成为世界歌坛的一个瑰宝。”
结语
从这些优秀的歌唱家身上我们看到，歌唱艺术并非仅是词曲作品和声音乐器的简单组合，而是歌唱家经过二度创作后的声乐作品表演艺术。在观看著名歌唱家舞台演出时，歌唱家在台上演唱什么，观众的眼睛仿佛就能看见什么、身体好象就能感受到什么。贝多芬说过：“当我作曲的时候，在我的脑海中间始终有一幅画，我会按照这幅画去工作。”因此，我们在歌唱的时候，必须时刻想象歌词内容的现实情景，用声音表现音乐的情节，用歌唱表达人物的感情，这样的歌唱才能富有、带有感染力。
歌唱者在舞台上认真进行声乐作品的“二度创作”，演唱时“身临其境”达到“忘我”和“无我”的地步，这样不仅从根本上能解决“怯场”的现象，而且将会取得富有感染力的演出效果。
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