找不到文档

请联系客服

一、找不到需要的文档,请联系客服

各种述职自查等报告、工作学习计划总结、表扬信

思想汇报、心得体会、申请报告、发言稿、新闻稿

活动策划方案、演讲稿、推荐信、保证书、读后感

合同协议、倡议书、等各种条据书信

二、微信客服

本页主题概要:

浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文十篇

欢迎收藏本站,按 Ctrl+D 即可将本站加入收藏夹。
范万文网 > 免费论文 > 艺术论文
浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文十篇

浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文十篇

艺术论文】导语,眼前的本篇共有27797文字,由郝玉磊尽心改进之后,发表于范万文网fwan.cn!《练习》是刘德华演唱的一首歌曲,由李安修、王裕宗填词,黎沸挥作曲,收录在刘德华2002年发行的专辑《美丽的一天》中。2003年,该歌曲在第25届香港十大中文金曲奖颁奖礼上获得十大中文金曲奖优秀国语歌曲奖、全国最受欢迎中文流行歌曲银奖。浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文十篇倘若你对这篇文章想说点什么,也可以上传分享给大家!

浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文 第一篇

摘要:随着社会的快速发展,城市公共空间中就出现了许多独 特的设计作品,这些作品被称为公共艺术,它与人们的生活联系密 切。也可说,城市公共空间艺术的产生是城市发展的必然现象。公共空间艺术作为城市空间形象表征的存在要素,只有准确的定位才能得到健康的发展。公共艺术作品在设计的时候要符合大众文化,人性化的并具有公 共性、艺术性、开放性等特点,满足这些条件才是当今城市公共空间 最需要的公共艺术。在当今城市人口密集、人地关系紧张等各种城市化问题突出的背景下,城市公共空间的出现已成为一个重要的时代潮流。如何让公共艺术与城市公共空间得到准确的定位是本文要探讨的问题。

关键字:公共艺术、城市公共空间

 一、公共艺术与城市公共空间

 所谓公共艺术,是指建立于公共空间且具有某种公共性的艺术作品或艺术方式。它是一种具有当代文化意义并且与社会公众的一艺术。公共艺术代表的是所有社会主体能共同享有具有“公共性” 的艺术观念。同时公共艺术也是用一种观念探讨着城市空间与人类活动的互动关系。

 公共艺术和其他形式艺术不具有可比性,原因是这一艺术形式来源于雕塑、建筑等传统艺术形式,但又超越于这些艺术形 式而具有独特之处。WWW.meiword.cOm公共艺术包括雕塑、壁画、装置、景观小品 等。就近几年的发展来看,表现形式逐渐扩展到水景、灯光、动 态装置、烟雾、多媒体、水泊和山体边坡的保护与装饰等造型。

 而所谓城市公共空间,一般有狭义和广义之分,狭义的城市公共空间是指“供城市居民日常生活和社会生活公共使用的室外空间”,包 括街道、广场、居住区户外场地、公园、体育场地等;广义的城市公共空间可以扩大到公共设施用地的空间,例如城市中心区、 商业区、城市绿地等。城市公共空间是城市的舞台,是城市的客 厅,它为城市带来了活力与色彩,它为城市生活提供了多样化的可能性。

 二、公共艺术的功能及特点

 公共艺术有四种社会功能:第一,它能提高公众的艺术审美。公共艺术作为地域公共文化的象征和公共信息的传播媒介,以视觉形象及视觉符号体系构成了与地域环境公共关系沟通的平台,公众可以通过对作品的创造性想象,加深对作品意义的理解;第二,它能够提高公众的艺术审美和修养。同一个艺术作品给不同人的感受固然是不同的,同一个公共艺术作品可以让公众感受到它存在的意义,能让公众领悟到作品与人自身之间存在的意义;第三,营造良好的环境氛围。公共艺术是矗立在城市的公共空间中的标志物,它不仅要具有自身的功能,还具有装饰的作用,因此公共艺术的创作和视觉意向直接影响到公共空间与公共文化建设的品质。第四,地域性的标示。公共艺术作品有自身特有的地域文化内涵和艺术形式,依附时代人文背景而存在,并具有一定的纪念性和鲜明的视觉特征, 公共艺术就成为了其所在地的地域性的标示。

 除此之外,公共艺术还有两种与众不同的特点:第一,公共艺术具有公共性与艺术性。 公共艺术是存在于不属于个人空间的艺术作品,人们的认同与接受在长期传播过程被化为公众审美意趣的东西,形成了艺术作品的公共性。公共艺术作品作为城市公共空间的艺术作品就需要带有独特艺术形式,设计师或者是艺术家在设计作品的时候都是带有情感并结合当地文化特色而创作的作品,所以它同样具有艺术性;第二,公共艺术具有开放性。公共艺术作品往往都是安放在人流不息、车辆往来、视域开阔的开放性空间中。所以其形式上与视觉上都应具有其开放性。这种形式独特的艺术作品必须要有多角度视觉上的观赏方式及公众介入等特征并且要与时代同步,体现时代特征和时代精神。        三、城市公共空间的定位

 现代化的社会和城市,应该创造人性化、多样化的公共艺术作品,使空间为公众所使用和享受。要倡导城市以“人”为中心,体现人文关怀,设计人性化、设计“以人为本”,这应该是城市公共空间设计的主导思想。要充分考虑人的情感、人的心理及生理的需要。人性化城市公共空间的构筑必须要遵循以人为核心的原则,所有的设计应针对人的现实需要而展开。要通过提高公共场所的环境质量,满足人们物质和精神上的需求,从而提高全体的生活质量。

 城市公共空间不仅是人类与自然进行交流的重要场所,也是城市形象表现的重要场所。因此,公共艺术要体现现代人的价值观、审美观及趣味性。城市公共空间的合理化规划、艺术化设计应为城市居民的物质需求、信息传播、公共审美等提供有效的服务。

 四、公共艺术与城市公共空间的结合

 现实的城市公共空间中几乎不可能存在只作为纯观赏性的公共艺术作品。公共艺术作品的设计前提,是去辅助完整的环境形态的构成,去实现和传递场所中的物与物、人与物、人与人 、人工环境与自然环境之间产生对话关系。

 在人流不息的地方就会有公共艺术的存在,但不同的公共艺术起到的功能作用也是不同的。在重庆四川美术学院的那一条生动有趣的涂鸦街上,其中有一面墙是留给人们自由 发挥的涂鸦墙,每隔一段时间走过去都会发现上面的涂鸦会有一 些变化,那正是人们与这种公共艺术形式的作品发生着互动的关系,这也是公众与公共艺术最好的互动方式体现。让公众亲身参 与到艺术作品的创作中,体验新感觉。在国外也有许多著名的标志性公 共艺术作品,如纽约的“自由女神像”她所承载的是美国人自由、、平等的价值观的体现。巴黎的“埃菲尔铁塔”是1889年法国工程师埃菲尔为庆祝法国大革命一百周年和在巴黎举行世 界博览会而设计建造,被视为巴黎的象征。新加坡的“鱼尾狮”是由一个传说得来,新加坡城也被称为狮城,这个标志性建筑被 视为新加坡的标志和象征。

通过这些例子可以得出不同地域文化背景产生不同特色的艺 术作品,公共艺术都是城市公共空间与公众所建立的一道桥梁, 它不仅是城市的象征,同时也是为人们提供休闲娱乐为一体的生 活需求。

 五、公共艺术要符合城市公共空间的需求

 公共艺术作为城市公共空间中不可或缺的艺术形式,在现代城市公共空间中占有重要的作用和地位。公共艺术作品不是单纯的像是艺术家在工作室或者展览馆里所创作的作品一样,这种艺 术作品必须要融入公众的审美要求并满足于公共空间的综合性要 求才有意义和价值。

 由于现在人口密集,城市空间被慢慢吞噬,那么矗立在城市公共空间中的公共艺术就更应该具有人性化,符合社会的发展需求,满足公众的审美要求。这样才能保证不浪费城市公共空间的 资源去建设那些没有意义的作品。我们要提倡在我们城市公共空间中矗立具有公共性、艺术性、开放性的公共艺术作品,从“城 市,让生活更美好”的角度提出公共艺术的出现代表了艺术与社 会关系新的价值取向。公共艺术是为人的审美,生活、休闲娱乐等需求所设计的,它就要满足公众的意愿,违背了公众的意愿, 这种公共艺术作品只能说是一种浪费城市公共空间的摆设,没有起到任何意义不说,反而却影响了公众对于公共艺术这种艺术形式的认识和理解。

 结论

 城市公共空间的打造需要以人为本,公共艺术的设计同样也 要以“人”为核心,从人的需求、文化、社会和自然的因素考虑城市公共艺术的设计,可以使公众在不同角度找回丧失的归属感和认同感,城市公共空间作为一个城市的象征,这个空间中公共艺 术的价值将更好地发挥聚会、休闲、锻炼、娱乐等功能,满足人的生活需求,体现现代人的价值观、审美观和趣味。

探析家具设计的创新设计_艺术理论论文 第二篇

论文关键词:家具设计 需求 创新设计 

论文摘 要:随着社会的发展。科技的不断进步,让拥有简单形式和单一功能的家具设计已经不能满足人们的需求。现在的家具设计不仅需要满足现代生活和工作的使用要求,也要满足人们精神上的需求。创新设计是家具设计必经的发展趋势。 

一、家具设计概述 

家具,从字面上理解是指人在室内生活和工作中所使用的一种器具,是人们最熟悉的日常用品之一,是一种以满足生活需要为目的,追求视觉与文化理想的共同产物,人们工作、生活和学习都离不开它。 

家具设计是个既古老又时尚的行业。当历史走进了“工业革命”时代后,家具设计自然成为工业设计学科的一个重要门类,它将艺术与工业融合在一起,既是一门艺术,又是一门应用科学。家居设计主要包括造型设计、结构设计以及工艺设计三个方面。功能、舒适、耐久、美观这四个方面对于家具设计来说是最基本的要求。人的不同需要导致了人为满足各种需要而进行的劳动生产和创造,生产工具和生活用品的产生充分体现了人类要生存的最基本要求。同样,家具也是源于人们的需要而生产的,是造物活动的产物。于是,家具作为满足人们使用的基本要求的生活用品而出现。当然,好的家具设计不止满足人们实用、舒适、耐用等基本的使用需求,它还必须满足人们的审美需求。即适应人们多层次的精神需要。 

二、家具设计中创新设计的运用 

在近几年家具设计中,有趣味、益智、游戏性等多种设计手法频繁的出现在儿童和青少年的家具中,而且这种设计手法渐渐的融入普通家具设计中。WwW.meiword.COM这样的设计出奇不意,给人更多的吸引性、奇趣性的同时,不仅给人们的生活增添了更多的情趣,而且能够体现出独特的个性情趣,透露出一种不同的、丰富的、充满情感色彩的文化品位。 

(一)形态的创新设计 

其中,最受大众欢迎的是具有人情味的北欧的家具设计。北欧家具设计就是具人情味最典型的代表之一。它“以人为本”设计思想,既满足了现代生活方式对家具多样化的要求,又敏于捕捉“家具人情化”的脉搏,追求适合人体结构的造型的同时,重视人在视觉感知上对产品的第一印象,让家具富有生命力。因此受到世界各地的追捧和喜爱。如丹麦当代著名女设计师,南娜•迪设计的著名的蝴蝶椅,多层夹板儿童家具等都是非常的成功案例。她在注重新材料、新技术的同时,让家具使用起来富有人情般的亲切感。 

(二)功能的创新的设计 

功能的创新设计中最突出的案例就是多用途餐桌,它打破了一直以来餐桌仅限于用来吃饭这个功能,经过对使用方式的创新挖掘,又为它增添了做饭和加热保温饭菜的功能。桌面采用的模块化设计,可以任意在餐桌框架上组合模块化的桌板,使用者既可以在上面用餐,也可以在上面做饭。即使大幅度延长了吃饭喝茶的时间,也不用担心饭菜会凉了。在其他的很多传统家具产品中,功能的新运用也有待更深入的挖掘。再例如,椅子与cd架,这两个原本八竿子打不着的家具却经过设计师的巧妙构思,运用创新的设计元素改变了它们原有的基本造型,将椅子放置而浪费的空间做成镂空的长条当做cd架,使二者在使用方式上有了很大的改变,即拓展了功能,又提升了使用乐趣。融入创新的设计便多了份人情味,更具有吸引力。  (三)材料的创新设计 

家具设计的最终目的是为人类服务,而满足和完善人们对家具的使用需求后,因此将现代技术和设计相结合来设计家具是社会发展的必然要求。设计者应当通过运用各种新材料、新结构、新技术的运用为主要创造要素,强调各种创新元素的综合能力运用,寻求一个最佳的结合点,创造出美的造型形式,来表现一个产品对人的作用和影响。因此,家具创新的设计从外观到使用,无不需要考虑各种新材料与设计的融合。 

现代家具设计在满足人们基本功能的需求上,还应当体现现代消费者求新、求奇和求趣的视觉审美与心理审美的需求,这就需要设计师在设计家具时融入各种创新的设计概念。如有一种叫“书虫”(bookworm)的书架,它是用,塑料做的,并能任意弯曲,也是特别适合小空间。这种书架的设计就是将新材料运用到家具的创新设计中,让原来书架的造型随空间的大小而改变形状,打破了木质或金属书架坚固布点的造型。 

三、家具设计中创新设计的必要性 

随着国人的生活水平越来越提高,大众消费水准的不断提高,人们对家具设计的要求也越来越高。以前功能单一,形式枯燥的家具已经不能满足人们的需求了。显然,现在的家具设计不仅需要满足现代生活和工作的使用需求,也要满足人们精神上的需求。所以创新设计是家具设计必经的发展趋势。家具设计师应该将娱乐性质与人类情感很好的融合在一起,在享受现代科学技术给人类带来的进步与好处的同时,将新形式,新功能,新材料很好的运用到家居设计当中。 

因此,在家具设计活动中,要创造出大众喜爱的家具,我们就应该将创新设计的思想融入到家具设计活动的始终。将新材料、新技术零活运用到家具设计中,这样的家具设计不管是从形态上,还是功能上都能够满足人们使用要求精神需求。于是,家具设计中创新因素的开发也变的尤为重要。 

结束语:在现代社会中,家具与人们的生活息息相关,家具的设计在大众文化里已成为人们生活中不可缺少的一部分,家具的设计在很大程度上要尊重个性的表现,在满足人们各种需要的同时,更赢注重创新设计的运用。因此创新是家具设计的必然的发展趋势。 

参考文献: 

李万军.当代设计批判[m].出版社,20xx. 

[2]唐纳德a诺曼.情感化设计[m].:电子工业出版社,20xx. 

[3]张克非.家具设计[m].沈阳:辽宁美术出版社,20xx. 

[4]何人可.工业设计史[m].:理工大学出版社,2000.

从演戏到演人_艺术理论论文 第三篇

 戏曲舞台上的旦角,泛指女性而言,分青衣、花旦、老旦、刀马旦和彩旦等。由于身份、年龄、背景不同,各自的表演有很大的区别。青衣文静贤淑,雍容华贵;花旦玲珑聪明,活泼可爱;老旦稳健持重,刚毅自信;刀马旦威风凛凛,气势恢宏;彩旦风趣幽然,诙谐狂放。一般来讲,众多旦角在舞台上亮相,从扮相、头饰、服装和舞台调度上就能区分。纵观几个世纪的戏剧史,大凡青衣应工的戏,多为主角是也,和老生平齐,推动剧情的展开与收放,起着“推波助澜”和“承前启后”的作用。旦角的表演技巧运用、创新和发展,是当今应引起高度关注的问题。

 一、 戏剧人的主题地位

 帷幕拉开,炫目的灯光、华美的布景、逼真的道具,五彩斑斓。然而这些都是烘托气氛,为剧中人物营造特定的环境。它是被动的,没有张力的渲染,而人物出场,则是推进剧情发展的能动的元素。根据剧本要求,演员上场都会给观众一个提示— —由此一个完整的(或是喜剧、或是悲剧、或是正剧、或是情景剧等)故事就展开了。剧情是否感人、是否有深度、是否耐人寻味、是否成为一部鸿篇巨制,除剧本本身的骨架、结构、情节和戏份外,非常重要的一个方面就是演员的功力。基本功扎实老道的演员可以发挥其优势和长处,弥补剧本的缺憾,增加剧本的厚重度和色彩。Www.meiword.Com有两种情况,一是剧本包演员;二是演员包剧本。这个包是包装、深化、提高,让一台戏更合理、更大气、更耐看。前者是剧本好,生动感人、熨帖或曲折、有情,台词唱腔有滋有味,不生硬,不别扭。演员无须费多大的劲就能演下来,而且效果很好,哪怕是b角或c角都可胜任,达到完美的境界。后者是剧本平淡,戏味不浓,而演员的演技高超、经验丰富,能借用肢体、动作、嗓音等进行弥补或修饰。同样能达到理想的效果。可见,一部好的作品是通力合作的结果。但主要的决定因素取决于剧本和演员的水平高下。当然,舞美、音乐、化妆、服装、乐队缺一不可。相对而言,演员的作用对一部完整的戏剧而言,他的地位决不能低估。

 演员在舞台上,是他(她)们的竞技场,演的平庸,没有,给观众印象不深刻,如果演得过火,游离了剧情,太张扬,则有可能“砸锅”。要避免这两种倾向,就要充分调动剧作者、导演和演员三个方面的积极性。要讲究演出中的度。在剧本整体的框架内,进行恰如其分、合情合理的创造,才能使角色鲜活,使整场戏连贯、顺畅、自然、醇厚。

 毋庸置疑,演员在舞台上的主体地位是不能轻易人为改变的。剧本赋予他来演绎故事、情节和人物,而这个人物是生活中提炼放大的人物,是浓缩了现实生活中许多“模特”或“样板”重新塑造的典型。这个人是与生活中的人有许多相似之处,又有许多具有艺术风格的化身。他的身份是经过特定遴选、加工、塑造放大的艺术形象。他既是舞台上的人物,又是生活中存在的一员。舞台上的他(她)与生活中的他(她)不同之处在于,一个在演绎生活,而另一个实实在在的活着。

 二、 演技的运用与发挥

 演技来源于实践,来源于生活的积累和总结,来源于观摩、模仿、升华。在奔腾不息的艺术长河中,大浪淘沙,摈弃糟粕,保留精华。许多梨园谚诀,就是十分珍贵的艺术积淀。譬如唱功的“变口唱为心唱,化歌者为文人”;年功的“讲为军,唱为臣”、“五年胳膊十年腿,二十年练好一张嘴”;做功的“一身之戏在于脸,一脸之戏在于眼”、“在共性中找个性,一般中求独创”;打戏中的“上去一个蛋,下来一条线”、“大幅大片、四门见线、打得不慌、有紧有慢”等,都是对戏剧演技的运用的高度概括。这些都是几十年甚至几百年中消化沉淀的宝贵艺术财富。        在演技的运用与发挥方面,要因戏而异,因戏而变,因剧情需要而创新。

如在大雨滂沱中疾行,就要用舞蹈的夸张动作,涉水、踩泥、擦雨、避风、跳涧… …,在风和日丽的原野上,则表演广阔、豁达的襟怀。舞台上表演受特定环境的约束和局限。走台步腿和脚上都有功夫,加上双手的比喻,演员要根据特殊效果(如雷电、鸟鸣),不但肢体上要扣准和默契,而且要惟妙惟肖地刻画人物。演技不在于四肢,面部表情、眼神、举手投足都有恰到好处,这就是要深谙“手、眼、身、法、步”的要领,在游刃有余的创造和发挥。演技的发挥不能超越表演法则,不能用违反常理的做法去炫耀。不然“演啥像啥、演谁像谁”就成为无源之水、无本之木。现代戏《焦裕禄》和《孔繁森》都是表现时代英模的思想品源都闪耀光辉。但他们作为都不一样。古装戏讲究“揣摩”,就是让演员在找到共同点的基础上,找出不同的东西。林冲、武松、扈三娘、秋瑾都是英雄,就不能视为两个人物(角色)差不多而走道路。

 演技的发挥只赠给专心学艺的“有心人”,抱着“差不多”或“本不塌”的思想永远无法叩开艺术宝殿的大门。

 三、 技巧表演的要领

 演员是创造人物的。任何有成就的表演艺术家,在身法运用中都做到“巧”、“恰”、“稳”、“美”的要求。劲头使不对,身段造型就不美,也不俏,甚至会出毛病— —僵硬或松懈。中国戏曲的表演身法讲究真和美。真在于不能完全脱离生活,要源于生活,高于生活。譬如舞台上的“圆场”和“水袖”、譬如舞台上的“哭泣”和“饮酒”,再譬如舞台上的“写信”和“打斗”,都是从真中透出合情合理、不拘泥于生活的美。观众一看就知道是怎么回事。梅兰芳大师的《贵妃醉酒》,那表演技巧可谓炉火纯青,无以附加。折子戏《三岔口》、《挡马》,全是靠表演套路和技巧来完成的。表演的人干净、洗练,动作准确、规范,观众在明亮的舞台上看表演,同样像置身于夜幕之中,没有一点生涩和乏味之感。

 表演技巧讲究“情”、“气”、“神”。男子的英武、刚毅、豪放、潇洒、儒雅;女子的矫健、秀丽、文静、妩媚、机智;花脸的威武、霸气、奸巧、狂放、孤傲,都淋漓尽致的刻画出多姿多彩的艺术形象。这些都反映出他们抓住了表演者的关键,不墨守陈规,不千篇一律,而是彰显人物的个性,从而增强艺术的感染力。

 四、 有好戏德才能成功塑造人物

 戏曲为综合艺术,集体性很强。也就是说,要摆正红花与绿叶的关系。一个人本领再强,也不会同时在舞台上展现几个人物角色。台上讲究的是默契与配合。讲究团体的集体主义意识,相互提携,不争名份,不计较个人扮演的是小人物还是大人物,都用心去塑造,沿着剧情的脉络循序渐进,才能把一台戏演好。这里面很重要的一条是演员必须有好的戏德,这是当好演员最根本的一条。

 戏德是人的灵魂放大,“看其戏,知其人”,“台上观人艺,台下知人德”就是这个道理。在众多的艺术家中,都是德才兼备、德艺双馨的领军人物和旗手。盖叫天、马连良、裘盛荣、谭富英、梅兰芳、高玉清,以及目前人活跃在戏曲舞台上的刘长瑜、李胜素、王蓉蓉、等等。还有豫剧刘兰芳、高洁、王善朴,他(她)们都是一朵朵香艳四溢的艺术之花。

 艺德的提升是一个艰难痛苦的过程,在私欲横流、明争暗斗的情势下,只有自我修炼。一是要深入学习艺术前辈的优秀思想和高风亮节的艺术修养;二是要耐得住金钱的诱惑与腐蚀而践踏艺术;三是坚定从艺的信念,既是吃这碗饭的,就要横下心,刻苦努力,奋发有为,把艺术奉为神明,奉为宗旨。这样不仅能提高自己的艺术水平,弘扬自己的艺术风格,而且也能彰显个人的人格魅力、气质和格调。

 有了好的德行,做事要从容,演戏就认真,工作就会迸发出无限的创造力。那么就能在舞台上把人物演好,就能在艺术的广阔天地中驰骋翱翔!

试论长笛规范演奏技术技法探析_艺术理论论文 第四篇

  论文关键词:长笛 演奏 技术技法 

论文摘要:为了帮助长笛爱好者规范地掌握长笛演奏的技术技法以及及时发现学习和演奏中存在的一些问题,本文尝试从以下几个方面对长笛规范的演奏技术技法进行研究,以期对长笛在我国的普及和应用做出贡献。 

近些年,我国的交响乐及西洋乐器演奏得到蓬勃的发展,而作为一种较为成熟的木管乐器的长笛,以其独特的音色和极强的表现力在西方的管弦乐演奏中具有广泛的影响,给人以深刻的印象。正是由于这种原因,长笛得到了越来越多人的喜爱,学习它的人也在不断增加。但是,由于受到了长笛在我国发展历史较短、相关的专业演奏和教育人才不足等客观因素的影响,相当一部分长笛的学习者和爱好者缺乏专业的技术指导和规范的专业训练,造成了这些练习者在实践中不能掌握长笛正确规范的演奏技术和技法。本研究关于长笛规范的演奏技术技法的探析便对长笛演奏的普及与推广具有极强的理论意义和现实意义。 

一、规范的手型和指法 

手型是长笛演奏容易被忽视却是十分重要的一个基础环节,不正确的手型往往会导致指法练习的低效率,手指灵活度和敏感度不能达到理想的效果,长时间可能会出现联系时手指、胳膊和肩膀不适甚至疼痛的现象。因此在进行长笛的练习和演奏时,应该首先认识到手臂和手指是一个统一的整体,只有二者协调呼应才能使演奏完美地完成。正确的手臂姿势应该是大臂自然下垂并且略微的抬起,要与身体保持一定距离,另外两只手臂要与身体形成一个近似圆形的空间,切记演奏过程中手臂一定要自然柔和。WWw.meiword.COM吹奏时,手腕与手臂要保持直立,不能弯曲,手心要朝下,手指也要自然弯曲。这一过程中要注意大臂不能抬得过高,以免长时间的手腕弯曲造成血液循环不畅,从而致使手指灵活度和敏感度的降低。对于长笛的握法,目前多采用三角式,即使吹口板、左手食指根部、右手拇指尖三点呈现120度状态以确保手指处于最灵活状态。 

长笛吹奏过程中,指法是吹奏音阶的基础,音阶是指法的外在表现的重要形式。在长笛练习中,我们在关注手指速度的同时还要重点关注音阶时值的均匀,不能顾此失彼。为了保证吹奏时的音阶均匀,要避免手腕的变形,要使手腕与手臂保持直线。另外,手指要保持弯曲,形成一个近似椭圆形的空间。在手指按下和弹起时一定要保持速度一致,这也是保证音阶均匀的重要环节。因为手指敏感度的不同,因此在进行手指敏感度练习中,应该注意练习不敏感手指的敏感度,以确保音阶的准确和均匀。 

二、规范的气息和呼吸 

长笛的呼吸的技法和技巧是相当复杂的,学习难度也很大,它的吹奏较之其他吹奏乐器需要大量的气息。在进行长笛的气息学习和训练时,通常采取的是胸腹式的呼吸方法,因为这种方法可以充分提高气息的容量。具体的练习方法为自身站立,全身放松,先要吸气到腹部之后再吸气到胸部,当有满胀的感觉后慢慢收缩腹肌,以使气流吹出。针对长笛需要气量大的特点,在学习过程中,要着重进行提高吸气及呼气速度和深度的练习,尤其要注意二者的平衡,不能出现失衡的现象。另一方面,在进行吹奏练习之前一定要对其调性和乐句进行,以注意其呼吸的方式和方法和唤起的速度及深度进行提前的处理和分配。  三、规范的吐音与颤音的吹奏 

吐音是长笛吹奏时一种重要的吹奏方式,通俗的讲,这种吹奏方式是通过舌头将气流分成一块一块的一种吹奏形式,其类型可以分为单吐和多吐。单吐的基本技法是使用舌尖来阻挡气流形成断音的效果,这时舌头要保证在上、下齿之间,舌型保持在发“tu”声的位置进行吹奏。多吐的吹奏技法是在单吐的基础上完成的,其发音时是用舌头发“tu一ku”或者“tu一ku一tu”等多音的位置吹奏的。这种吹奏多适用于进行快速的乐句和片段的演奏。 

与吐音一样,颤音也是长笛吹奏的一种重要技巧,其吹奏时有着丰富的感染力。颤音的形成是在进行吹奏时,气流向外送气时产生脉冲而形成的一种类似波浪形的声音。在平时进行练习时要尽量吸气,然后保持气流无中断地向外吹,同时用腹肌来有节奏地控制颤音的形成,保证吹奏声音像波浪一样自然、柔美。 

四、规范的音色控制 

长笛的音色受到很多因素的影响,例如笛头与笛身的角度;吹奏时嘴唇的角度;送气量的大小;气柱的形状和方向以及口型等因素都会影响到长笛的音色。在追求音色的学习中,一般情况,需要吹奏者保持良好的状态。嘴型要放松并处于微笑状态,在进行低音吹奏时嘴唇可以略微张开,在进行高音吹奏时下颌要微微向前,但嘴型都不能有大的变化。另外,在吹奏时,要选择好角度让口风集中产生圆型气柱,以保证气柱打在最佳的发音点上来确保音色。 

其实,除了以上规范的长笛演奏技术技法以外,长笛演奏更需要演奏者具有一种好的文化底蕴和文化基础,这种底蕴可以与规范的演奏技术技法相互促进,以帮助于演奏者形成良好的乐感,以达到精神、心灵与技术的完美结合。 

参考文献: 

应诗真.长笛教学法[m].:音乐出版社, 

 1988. 

[2]胡结续.笛子吹奏法[m].:文学出版社,1972 

 年7月第二版

浅谈民族艺术与大众化消费的反思与思考_艺术理论论文 第五篇

论文关键词:民族艺术 大众化 消费

论文摘要:随着消费社会的到来,在资本利益需求和娱乐文化消费需求的共同作用下,作为生活方式的、文化的和语境化的民族艺术至少在形式上进行了符合消费文化逻辑特征的现代置换。本文首先对民族艺术及其分类进行介绍,其次剖析了当前大众化消费文化的现状,在此基础之上对我国民族艺术的发展方向进行反思,提出符号化生产的概念,并结合实例进行了详细。 

一、民族艺术及其分类 

1.1民族艺术的涵延 

民族艺术主要指与生活生产关系较密切的,直接源于生产实践的,以可见形式保留下来的,包括绘画、雕塑、工艺等。从广义上来说,民族艺术还包括了音乐、文学、曲艺、杂技等在民族发展中形成的共有的和独特的文化现象,广义的民族艺术几乎等同于民族文化的范围。 

1.2 民族艺术的分类 

民族艺术的分类往往由于对民族艺术的涵延有着不同的理解而不同。从艺术的角度来看,可以简单的分为:绘画、雕塑、建筑、工艺、书法;从应用产生的环境,即民俗的角度,又可以分为礼仪、节令、生产等几个方面。在对民族艺术研究的初期阶段,作为具体调研的依据,可以根据生活习俗,围绕生活生产活动进行简单的分类: 

1.衣食住行:日常服饰、日用品、建筑、交通工具、公共设施; 

2.生产活动:畜牧、农耕、贸易; 

3.庆典仪式:婚姻、丧葬祭祀、歌舞娱乐、节日; 

4.社会关系:家法、氏族、游宴、结社、娱乐; 

二、大众化消费文化的现状 

当今中国的“大众文化”是一种比较典型的都市消费文化。Www.meiword.cOm它集中产生于各大xxxxx,通过大众传媒辐射到其他中小城市和广大农村。其突出鲜明的消费特性与欲望特性,给城市的低收入阶层和农村群众带来的冲击是前所未有的。上世纪90年代初,轰轰烈烈的“人文精神大讨论”在全国展开。精英们为理想高呼,为人文精神呐喊,面对那些琳琅满目的绚丽商品,面对人们逐渐显现的对欲望的追求,精英们深感忧虑,中国要往何处去?传统的价值坚守还有意义吗?” 

2000年以后,随着国家经济建设的稳步发展和社会财富积累的快速增长,随着国家在精神文明建设上的广泛引导和投入的加大,人们的消费需求也从过去较为单一的、以物的占有和使用为目的的生活必需品消费,逐渐向更具社会性和象征性的、更注重消费过程的多元化消费发生转变。其中,文化消费在人们的日常消费中占据着越来越重要的地位,成为当代社会最突出的消费模式之一。文化消费的崛起带动了民族艺术产业的发展。 

三、大众化消费背景下民族艺术的发展反思:符号化生产 

作为兴起于大众化消费时代的一种文化现象,民族艺术展演的文化价值和意义是在社会结构变迁、文化观念改变和民族艺术审美范式转型的现实语境中得以彰显的。那些拥有丰富民族文化资源的地区,应广泛利用当地优美的自然景观和奇异的民族风情来打造独具特色的民族文化产品、发展地方民族文化产业。作为“地方性知识”的民族艺术因其较强的艺术性、表现力和审美价值,而被纳入当代社会的文化消费范畴,成为一种具有符号意义的文化商品。如果把尚未经过市场化开发的传统民族艺术视为一种民族文化“原生符号”的话,那么,作为文化商品的当代民族艺术的符号化生产,就是对“原生符号”能指层面的形式征用和所指层面的意义改造,并将新的能指与所指进行重新拼接、组合,以形成新的文化“再生符号”。 

3.1“想象性审美” 

由地方主导的符号化生产近年来,随着我国文化产业的快速崛起,各种可资利用的文化资源越来越受到各级地方的重视。在许多民族地区,古老的民族传统文化因其形态独特、内涵丰富、底蕴深厚而作为地方性资源优势,被纳入经济建设的轨道,“文化搭台,经济唱戏”成为地方发展当地经济的普遍做法。从扩大宣传、提升形象、振兴地方经济的实用功利目的出发,民族地区的地方对于当地民族文化资源的开发利用普遍表现出极大的热情,在开发民族工艺品、展示民间歌舞艺术、挖掘特色民俗风情、复兴民族传统节庆、打造民族旅游市场等方面,当地往往都会不遗余力地参与、引导,并在政策上、经济上给予强有力的扶持。  3.2 “快餐式表演” 

由经营企业运作的符号化生产在当代消费社会,旅游作为一种最具文化消费特征的社会现象正在全球范围内迅速展开。其中,以体验民族地区的自然风光、民族风情、传统习俗、民间艺术为主要内容的民族文化旅游更是呈现出蓬勃发展的势头。在一些民族传统文化保存较好的民族村寨,旅游经营企业不仅利用当地丰富独特的自然资源和人文资源,将其开发建设成为“民族文化旅游村”,而且组织村民歌舞表演队,帮助开发民族旅游工艺品,发动村民开办特色家庭旅馆,以充满异域民族风情的旅游服务内容来吸引游客。旅游市场对民族传统文化的价值衡量和取舍决定往往来自于投资回报及实际收益,因此,原本就存活于乡土民间,且集观赏性、参与性、娱乐性于一身的民族艺术自然凭借其“投资小,见效快,低成本运作”的特点而成为经营企业开发打造的重点对象。例如,在以壮族歌舞展示和传统村寨风貌为特色的广西龙胜县金竹寨,每当有游客到来,村里的壮族青年歌舞队都会到寨门前敲锣打鼓迎接客人,唱迎客歌、敬酒歌,表演师公舞、扁担舞、板鞋舞、竹梆舞、竹竿舞等,其间还穿插有绣球传情一类的互动游戏活动。 

3.3“原生态艺术” 

由文化精英实践的符号化生产“原生态”是当下最为流行的词语之一。按照学术上的规范理解,源于自然科学的“原生态”指的是一切在自然状况下生存下来的东西。将“原生态”用于艺术上,即“原生态艺术”通常应当指“在特定的区域(通常是较为封闭的民族聚居地)内流传的、较少受外来文化艺术影响的、风格纯正且没有经过加工和提炼的艺术样式,它是人们在生活和劳动中自然形成并通过本民族世代相传的方式保留下来的”。然而,随着以西方近代工业文明和科学技术为载体的现代化浪潮席卷全球,民族文化赖以生存、延续的传统封闭格局已经被打破,外来的异质文化不断介入和渗透到各民族的物质生活领域及精神文化空间,生长于这种生态环境中的民族文化艺术也必然会不同程度受到现代性因素的影响。 

因此,严格意义上的原汁原味的“原生态艺术”早已随着原初的生态环境的变迁而不复存在,现在所谓的“原生态”更多是指一种运用民族民间的原生艺术元素来集中再现本真性民族文化,进而使之得到保护、传承及发展的艺术观念和艺术态度。 

总结 

总之,当代民族艺术的符号化生产是一个关涉多种因素、多元力量的市场化、符号化编码过程。这其中无论采取何种编码方式,作为文化商品的民族艺术都被赋予了符号消费的时代意义,并且在一定程度上实践着由文化资本向经济资本的转化。我们只有真正了解了当代民族艺术的生产逻辑与符号价值,才能更好地根据自己的日常性需求和体验来对其进行消费,最终实现个体的精神满足。 

参考文献:

[1]欧阳友权柏定国主编.20xx年中国文化品牌报告[m].:中国市场出版社,20xx年版 

[2]童庆炳主编.文学理论教程[m].:高等教育出版社,1992年版 

[3]亚理斯多德:诗学·诗艺(罗念生译)[m].:文学出版社,1962年版

古典舞蹈新枝 昆舞 脱胎昆曲展江南古风_艺术理论论文 第六篇

昆舞的出现,有赖于昆曲和中国古典舞这两个文化平台的存在;而系统构成的基本规律也制约了昆舞构建的基本思路,左右了昆舞的生成……

20xx年岁暮,六朝古都南京。原苏州市歌舞团副团长、资深舞蹈编导马家钦女士历十余载研磨而成的一个古典舞新枝——昆舞,借南京艺术学院舞蹈学院一隅和盘托出,与中外学仁初见。我作为特邀研究者欣然而往,览罢,顿生惊喜,为这饱蘸江南古风又深具人文意蕴的古意新舞而沉迷,也为马家钦殚精竭虑、化古而新的心血结晶而赞叹……

昆舞伊始,大约是20xx年底。当时的苏州歌舞团,一个古香幽幽的院落,一座清冷儒雅的“古建式”舞蹈教室,24位舞者,9套动作组合,人体的质感和本体能力、意蕴的呈现,油然而生一种温润而苍凉的诗意,虽然淡雅、内敛、谦逊,却聚合了内力,飘飘然若仙风,凛凛然有道骨,一股直逼人心的气象,外柔内劲。不知怎的,在江南古城那样一个冷月无声的傍晚,观昆舞之后,心底里无端地漾出一丝醉意?我确信,这是审美使然,昆舞的新鲜,让我体验了彻骨而单纯的美感。这种感受一而再、再而三地重现,并扩大、延伸出新的感知,最终,落实于开篇的那个“国际行为”。

必须承认,昆舞的生成有两个必然条件,一是昆曲的积淀,二是中国古典舞的状态。说昆曲的背景,在于姑苏之地是昆曲生成、生长、宏大与变异、延伸之所,六百年风雨洗尽铅华,昆曲的日月星辰更迭了历史,也成就了自身,其文化、品格、味道始终如一,从中兴到遗产,犹如历史老人般早已处乱不惊。www.meiword.CoM此种气质,必然影响到昆舞的形成。

除此而外,昆舞的诞生亦得益于中国古典舞这个“不定空间”的体系。中国古典舞是一个完全开放的学科系统,它既需要纵向挖掘与提炼,也需要横向考量与拓新,更不避讳流派或风格的多样与文化含义的发现。在历史维度上,它允许多视角、多侧面探究,以利于小中见大、以点带面,最后实现整体性把握;在现实维度上,它允许“家族”有大规模的“新种”出现,多点出击形成粗放型产品,再整合、提纯,构成个案成果,并以此为契机促成系统。

昆舞的出现,有赖于昆曲和中国古典舞这两个文化平台的存在;而系统构成的基本规律也制约了昆舞构建的基本思路,左右了昆舞的生成。昆者?舞者?自有玄妙。

昆舞绝非昆曲的附着物,它源于昆曲,承继着昆曲的命脉神旨,但最终要建构属于自己的本体,实现自己的价值

何为“昆舞”?始作俑者给出了一个特征性的描述,即“姓昆的舞”;进而又说,是“一种必须具备昆舞规律和特点的舞蹈”。其实,此种说法似乎并未表明事物的真义。依我之见,“昆舞”应是昆曲中舞蹈的衍生物。

其实,昆曲中本无所谓纯粹意义上的舞蹈,只有配合“唱、念”共同表情达意的“做、打(舞)”艺术,从这个意义上说,昆舞自应当是以昆曲“做、打(舞)”艺术为素材创造的舞蹈样式。此其“舞性”层面之一。另一个层面,它是一种“内向型”的舞蹈,是中国传统文化内涵深厚的一种舞蹈样式。除具有昆曲表演艺术的规律与特征外,“意守丹田”的意念作用是其核心“法门”,思维方式上的中国哲学、美学意蕴是其内在根据,呼吸是其形态构成的生理和心理依凭。理解了这些,才能了解昆舞的本质,因其是内外兼修的一种学问。

应该明了的是,昆舞绝非昆曲的附着物,它源于昆曲,承继着昆曲的命脉神旨,但最终要建构属于自己的本体,实现自己的价值。通俗地说,昆舞姓“昆”,但目的是做“舞”,二者是若即若离的关系。假昆曲之意蕴,借昆舞之称谓,行创造新舞蹈之旨趣,才是确立昆舞的目的。

马家钦希望发现中国古典舞新的可能性,积累与责任赋予她为学之勇气、胆识。而其身处吴越故地,昆曲艺术的浸润,“吴文化”的个性尤其是“生、旦”艺术的意蕴和语言、风格上的魅力,为昆舞的凸显与“亦昆亦舞”的价值找到了落脚点;昆舞的运动思维,核心是回到动作发生的“原点”寻求其质的规定性,又通过昆曲艺术的“三小”(小生、小旦、小丑)风格来规定其美学指向,于是便有了清纯、高洁的趣味及其舒缓、从容、娴雅的运动感知方式和均衡节奏中的动作流程;“圆融周游”、“气道曼生”的中国传统思维方式,和谐如一的内在构造,共同构成了昆舞动作的功能性、意念性、表现性与风格性。

昆舞是创新思维的结晶。充满当代思考,是今人对传统的大胆想象与合理发挥,这种亦古亦今、思接千载的思维成果,自有其传承和创新的价值

昆舞,是传统文化合理内核的产物,富含文化精华,是中国古典哲学、美学精神的真实反映。手在舞蹈中的推拉和运动空间的27“点位”的设计颇具“太极思维”,动作和韵律深蕴传统文化意味;昆舞训练主张“先立脑、后立身”,以意为帅,然后身体从之,这符合中国传统运动思维的基本理念,这样的运动才是有意味的运动。舞蹈动作只有饱含意蕴,才有质感,文化味道才可显现。昆舞让功能性寓于风格性之中,使风格追求置于功能培养之上,“发力”和“起范儿”都有创新,并逐渐形成“风格+功能”的运动思维,这是昆舞风格成型的基本指标。

昆舞的创作观念是崇尚文化意识与文化自觉,讲求“限制中的自由”,旨在锻造自我意识,寻找品格是昆舞的本质取向。当自我意识得以鲜明、品格得以完成时,昆舞自然就划清了与其他舞蹈艺术的界限。同时,昆舞是对戏曲舞蹈的再认识,从细节寻特性,从微观见精神,突出逻辑性和实证性。手位和空间的创新,使昆舞的运动时空出现了无限的可能性,既无穷扩大了古典舞的语言系统和构成方式,又无限延伸了昆舞的创作空间。有了这种“先立脑”的身体文化概念,舞蹈的本性就能在舞者身上渐渐得到还原。应该说,充满创造性、文化性、目的性、风格性、观念性、教学性等理性观照的昆舞,其体系已初现端倪。

昆舞,是马家钦及其追随者们的呕心沥血之作,十年一剑,品质方显。昆舞既是符合中国古典舞的学科发展实际、思考和自主创新的结晶和当下产物,也是对传统的再造,更是“古今合一”的思考结果,充满当代思考,是今人对传统的大胆想象与合理发挥。

继承传统是为了面向未来,当二十一世纪的人类文化开始步入新的“文艺复兴”轨道时,昆舞这种亦古亦今、思接千载的思维和创造成果,自有其传承和创新的价值。马家钦、苏州歌舞团和南京艺术学院舞蹈学院,为中国古典舞奉献了一抹新绿,在未来的日子里,这片绿洲必定会馨香一片……

如何培养高质量优秀舞蹈人才_艺术理论论文 第七篇

笔者是由舞蹈演员转而从事教学工作的,由于较长时间从事舞蹈教学工作,对于舞蹈的风格和韵律特点,以及反映现实生活的表现方式等有颇多感受。笔者曾结合自己的表演和教学实践对一些问题进行了思考和探索,本文仅就如何排练舞蹈教学剧目,怎样更有效地实施教学剧目在教学过程中的作用,谈一点粗浅的认识。      

一、舞蹈教学必须与实践相结合      

舞蹈是一门实践性很强的艺术。因此,在舞蹈教学中,教师一定要设法缩短排练室与舞台的距离,一定要在重视技巧训练的同时,重视学生对于舞蹈所表现内容的理解。

从刚入学,学生上第一堂舞蹈课时就要培养他们热爱舞蹈的感情。在教学内容中,教师要运用某部分动作多编一些表演性组合,以提高学生的表现能力,为将来的舞台实践奠定基础。例如“揉背组合”,就是以赞颂草原、热爱家乡为主题思想内容的表演组合;

“单项指与周身各部位混合训练”,就是表现在黑暗的中挣扎,渴望着光明,祈祷幸福为主题思想内容的表现组合。还可以选用一些优秀舞蹈作品和某些作品的片段进行排练,诸如蒙古族《顶碗舞》《蒙古人》、傣族《小卜少》、藏族《酥油飘香》《母亲》、苗族《鸭子戏水》、朝《新阿里郎颂歌》、古典舞《秦王点兵》《踏歌》《扇舞丹青》等等。wWw.meiword.cOM这些舞蹈精品从训练意义上来讲价值很高,能够帮助学生更深刻地感受舞蹈艺术内在的心理和气质特点,提高学生对舞蹈艺术的全面理解和领悟。

首先,教学剧目与教学进程紧密结合,巩固所学知识,并加深理解强化,促进训练进程,从而提高综合、整体的艺术表现力。为了能更有效地实施教学剧目在教学过程中的作用,还必须了解它的一些特点。如果课堂教学是横线前进的话,那么剧目训练就是纵向深入。它可以就一动作或技巧对学生进行集中、深入的纵向;可以从剧目总体风格要求、人物形象的外在造型、内在性格、情感发展、特定服饰道具、舞台空间等许多方面向学生加以说明、,加深他们的理解;对剧目要求的特殊舞步、技巧进行专门的训练。这种多方面的、集中的训练只有在剧目排练中才能达到。

其次,教学剧目之所以区别于其他课堂教学,就在于它是一个较完整的艺术作品。完成剧目表演,学生必须涉及诸多因素,一是表演技巧的专门训练;二要改变音乐只是训练伴奏的概念;三是通过各种剧目训练,了解和掌握不同地区、不同风格的舞蹈;四是在剧目的训练、演出过程中,对一个剧目从课堂编排到舞台演出的各种环节程序,以及对服装、道具、布景、化妆、舞台设施等都要有一个亲身经历实践的过程,使学生提前逐步地了解和掌握舞蹈表演艺术的特定性,增强编导、演员以及舞台工作人员的合作概念,为将来的舞台实践打好基础。

在一个班的众多学生中,单通过训练,老师很难全面地评价和发现其中较为优秀的学生。因此,剧目训练便是较全面的训练,具有全面的开发性。舞蹈界常说的:“某某就是靠某个剧目从而进步显着的。”其实,这正是被开发的结果。

再次,在教学中要努力培养学生的舞台感。要让学生明白,教师站立的一面就是观众,在训练中的一招一式、一起一伏、一反一正都是将自己最美的舞姿和造型选择最恰当的角度展示在观众面前,要注意自己的情绪与观众的呼应相一致。

因此,在课堂上,笔者要求自己的示范动作要一丝不苟、严格准确、力求完美,唯有这样,才能激发学生钦佩、羡慕的心理,从而增强他们追求、模拟的欲望和对舞蹈艺术的兴趣与热爱。讲解动作的规格和要领也是不可少的,但最重要的是让学生超越动作的表层,通过动作的一招一式去体会蕴含在舞蹈之中的心理素质和民族精神,只有这样才能真正把握住舞蹈的精髓。

每一组动作都是一幅生活的画面,多侧面的生活画面必须体现出一种民族个性,凝聚到一起,便体现出民族的气质与风格。每一天每一堂课,笔者都要把不同的内容带给学生,自己的示范和讲解都要给学生以新的启发,也只有这样,才能引起学生浓厚的学习兴趣和对舞蹈艺术更高境界的向往与追求。要做到这一点,教师必须具备较强的实践能力和舞台经验,不能光说不练。

应当明确,我们学生在校学习四年,目的决不是做一个掌握了各种舞蹈技巧的匠人或艺人,而是要成长为具有较高艺术修养和较强表现力、创造力的舞蹈艺术人才。笔者在教学中的体会是,要想培养一个合格的舞蹈艺术人才,在坚持以上几方面训练的基础上,还要通过适量的演出和参加各种舞蹈大赛使学生有机会把自己所学到的知识和技巧运用于实践,在真正的舞台上接受锻炼。通过演出、比赛的实践,

第一,可以帮助学生更好地理解和掌握课堂上学到的知识,实现从感性认识到理性认识的飞跃;

第二,可以培养和提高学生获取知识、驾驭知识、运用知识的能力以及理论联系实际和手脑并用的能力;

第三,有利于培养学生不断追求新知识、实事求是、思考、勇于创造的精神。 爱舞蹈网 中国舞蹈门户

因此,舞蹈教学应该根据教学对象的不同,教学任务和教学内容的差异,在课堂教学这种基本组织形式的基础上,灵活多样地采取其他教学组合形式,特别是要注意利用毕业生舞蹈晚会、艺术实践的机会检验课堂教学成果、培养学生的能力。总之,教学和实践紧密结合,是搞好舞蹈教学的必由之路。

二、舞蹈教学剧目中的动律训练      

一个民族的舞蹈之所以能够存在,首先是以它的动律为基础的。动律是舞蹈风格的核心,动律是这个舞种和别个舞种的主要区别。这里仅以蒙古族舞蹈为例,来说明这个问题。蒙古族舞主要有六种动律,即:圆绕动律、扭揉动律、横摆扭动律、起伏动律、反射动律、点顿动律。如果学生能够较好地掌握了这些动律的特点,那么也就掌握了蒙古族舞的风格。

首先,应该从理论上向学生讲清楚每种动律的来源,有助于学生的理解和掌握。比如绕圆动律,就可以从草原牧民的生产、生活、习俗中找到舞蹈中圆绕动律的例证。学生有了理性的认识,就可以更好地理解每种动作的特征。

强调内外统一,防止单纯做动作,防止内心空白。在教授动作时,教师应积极启发学生,调动他们的内在感觉。例如,笔者排练蒙古族《顶碗舞》中,编导运用了横摆扭动律,它很好地体现了蒙古族悠扬、深情的性格特点。“横”是指动律方位,始终都在横线的左右方向上;“摆”是指双手在横线上左右、上下摆动;“扭”是指腰随双手的摆动而左右扭动。合起来就叫“横摆扭动律”。

这一动作,稍会舞蹈的人谁都会做,但又不是谁都能做好。在教授这一动律时,要用语言去启发学生,让他们用动作和神情去体现蒙古民族所具有的那种含蓄、稳健、端庄的美。此时,你不是一个课堂上学舞蹈的学生,而是作为一个牧羊姑娘、挤奶姑娘,看到辽阔的草原,听到高亢的长调民歌,闻着青草的芳香,自豪感、自尊感、愉悦感从心底油然而生。只有这样,才能体会到横摆扭动律的深情内涵,也才能做好这一动作。

动律训练同样要由简到繁,循序渐进,反复进行,要从单一动作开始直到各种组合动作,循循善诱,严格训练,达到动作准确规范、从容自如、潇洒优美,让内心的感觉传达到身体的

学习《顶碗舞》的学生来自各个地区,他们的训练水平、演技状态高低不同,有的也没有蒙古舞的训练基础,因此,笔者就强调他们的先期理解。首先,要解决“为什么”,为什么要排这个作品?为什么要你们来演这个角色?此时为什么要热情洋溢?为什么这个呼吸必须不断地上长?为什么这个动作要打开胸膛、手指尖不断地延伸?为什么这儿要完成连续的“跪地转”?为什么那儿要突然僵直地控制不动?解决学生情感的疑惑,打消他们对剧目、角色的陌生感,对角色亲近起来,此时的学生才能进入主动配合与二度创作状态之中。

解决了以上“为什么”是十分重要的,因为我们面对的是稚气未脱的学生,他们既没有舞台表演实践,又没有丰富的生活经验,更没有复杂的情感经历。面对这样的“学生演员”,笔者在排练过程中,将人物的形象、性格以及此剧中的行为,以讲故事的形式尽可能生动地加以描述,再进入动作训练。

经过这样的训练,学生基本上都能在不同的年龄段上发挥最好的水平,经过这样的剧目训练之后,学生的综合理解能力提高的同时,对动作的理解思路增多了,因而在完成同一动作时就会使用不同的表演方法了,他们明显的成熟了。经过33天严格训练,《顶碗舞》参加了江苏省第一届大学生文艺汇演,获舞蹈专业组一等奖、指导教师一等奖。

综上所述,培养高质量优秀的舞蹈人才需要全方位的磨合与训练,路是艰辛的。作为一名舞蹈教师,要不断地调整自己的思维方式,跟上时代的脉搏,提高艺术修养。同时,在每天的教学过程中,也要虚心地向学生学习一些可贵的东西,教学相长。这样,才能把学生培养成不仅具有高超的舞蹈技能、技巧,而且有高度的可塑性,能塑造各种艺术形象的舞蹈艺术家。以上是笔者教学实践中积累总结的一点体会,以求教于各方专家。

吸谈在舞蹈训练中的重要性_艺术理论论文 第八篇

我们在舞蹈训过程中如果忽略了呼吸训练,就会导致动作勉强完成却达不到完美的效果。应该认识到,完成动作只是外行的模拟,而完美动作却是内在与外在有机地结合融会一体。这种结合是许多素养集结的成果。因此完美动作直接起作用的因素应是呼吸。

一、正确的呼吸是完美动作的支柱呼吸是人体运行的支柱,停止呼吸生命就停止了。这种呼吸是人体的本能,不需任何训练。它与人体的自然形态同步,协调一致,不必用意识去控制它的运行,因此,称之为”无意识呼吸”。在舞蹈艺术中的人体动作,当然离不开呼吸这根支柱。然而舞蹈艺术的人体动作摆脱了自然形态的习惯,训练是具有高技能表现的人体。“无意识的呼吸”是不能适应舞蹈艺术中人体的需要的,因此,在人体呼吸训练,称之为‘有意识的呼吸训练”。

舞蹈动作从完成到完美的过程是低层次向高层次的升越。仅从动作上追求往往是徒劳的,难以上升到完美的境界。提气能使动作干净,轻盈。沉气是膈肌上下运动和腹肌波浪起伏,使腹腔脏器产生相应的蠕动,是一种典型的腹式呼吸。腹腔部充实可使身体重心降低,这种呼吸多用于慢板的动作,控制平衡等。沉气能使动作松弛流畅,脚下稳健,这两种呼吸也可以用于动作之间的连接,小跳舞姿造型等,在做特殊的动作时就不能运用这样的呼吸了,而需要采用特殊的呼吸方法,如:键子,它是在空气中形成舞姿技巧的动作,要求它要有空中停顿感,因此必须采用闭气这种特殊的呼吸方法。这一切说明,呼吸与动作是不可分割的整体,训练有素的呼吸,不仅是完成动作的条件,而且是使动作达到完美的重要支柱。WWW.meiword.CoM

呼吸在动作达到完美中起到了决定性的作用。呼吸的长短、强弱、急缓、张弛导致了情感变化的出现,这些情感都是与呼吸紧密相连的,当人愤怒时,气息粗短急促;人欢喜时,气息轻盈流畅;人悲伤时,则会出现气息短暂的静止,因此看来,呼吸虽然看不清,摸不着,但却在人的精神受到外在时,情感色彩做出鲜明的反映,同时推动人体作出同步的形态,成为表情的内核。舞蹈动作是人有意识的情感活动和人体表现,要达到舞蹈动作与情感和谐统一,只有有意识的呼吸才能使二者完美的协调一致。然而初学舞蹈的学生往往只留心了舞蹈动作的模拟,不懂呼吸中的奥秘,使呼吸得不到有意思的训练,舞蹈动作也只能在完成的水平上徘徊,久而久之呼吸总跟不是上,始终难以升越到完美的境界,因此,进行舞蹈动作训练的同时,一定要进行“有意识的呼吸训练”。

舞蹈艺术不同于其他体育的技能训练,它是舞蹈艺术、人体造型、体育技巧,及音乐表现为一体的一门技术性极高的综合性艺术形式。在气息的流畅,动作的轻盈,技巧的完美中“有意识的呼吸”训练起着很重要的作用。

二、呼吸训练要循序渐进

呼吸训练同形体训练技巧训练一样,不是突击性的而是长期、细致、复杂的循序渐进的训练。对此可分初、中、高三个级别。

初级阶段。刚刚开始舞蹈训练的学生,同样呼吸也是以“无意识呼吸”转向“有意识呼吸” 的,由于刚刚接触到舞蹈,所以动作不易复杂,而是进行单一的动作为主的训练,这时的呼吸也应要求学生有意识的进行单一的‘‘有意识呼吸'’这种单一呼吸同“无意识呼吸”很相似。往往教师未引起重视,然而它恰恰是从“无意识呼吸”转向‘‘有意识呼吸” 的关键。如果这阶段不重视呼吸训练,待到中、高级再要求就迟了。因为学生已经习惯用‘有无意识呼吸”做动作,但到了中、高级毛病就会越来越明显。如端肩、憋气,上下身不协调等等。都是呼吸运用不当造成的,所以初级阶段必须进行有意识地单一呼吸训练。

中级阶段。动作开始复杂,多变起来,这同时也要求呼吸复杂多变来同动作统一,使之成为一体,只有这样配合,动作才能完成的完美,如果动作多变,而呼吸节奏不变,那么就会阻碍动作的完成,也就谈不上什么完美了。如平衡、控制,它是以缓慢的节奏,大的抒情的舞姿组成,那它就需要缓慢、深长的呼吸,小的跳跃及助跑,它的节奏比较欢快,以小的舞姿组成,因而它需要快、短、浅的呼吸,只有采用适合动作的呼吸节奏,才能使动作完美起来,气息与动作是紧密相关的。因此中级阶段训练应注意呼吸运用与动作风格的统一。

高级阶段。学生此时已进入了高年级,对他们的训练已进入复杂综合性的组合,也就是动作、技巧、情感表现三方面的统-ijii练。综合表现中是以情为终极的,情又并非虚设,是借行来表现,在完成技能技巧的同时,要注重情感的表现。因此呼吸运用要更加细腻复杂,在呼吸训练过程中就更要周密关注,使之受到整体训练的效益,达到完美。

三、结束语

呼吸训练可以说是基础训练的重要手段,它是完成完美动作的支柱。要把呼吸运用到身体的各个部位,特别是手和脚,用气带动作,采用动作的高低起伏,节奏的快慢变化呼吸的急缓。以气带情,以情带动,使之达到舞姿的伸展,动作的流畅,技能的准确,体态的优美,从而体现舞蹈动作的艺术效果.

数字舞蹈初探详细内容_艺术理论论文 第九篇

   《乐记》有云:诗,言其志也;歌,咏其声也;舞,动其容也。自古也就有国家、社稷,以舞见兴衰的说法,可见舞蹈与人们的生活是息息相关的。古人在劳动中创造舞蹈,在舞蹈不断进步和发展。从某个意义上讲,舞蹈发展史也就是人类的发展史!

与时俱进的舞蹈艺术发展到今天,经历了无数次的变革,新中国建立后,中国的舞蹈发展更是发生了日新月异的变换。随着舞蹈工作者的努力,许多新的优秀作品不断涌现,但仍旧无法满足时代发展的要求,这时候就出现了和紧密结合的新的形式的舞蹈艺术,数字舞蹈就是其中的一种。

一、何为舞蹈的数字化

开始提出“数字舞蹈”定义时,很多人是不理解的。舞蹈还能数字化?数字化后还能叫舞蹈?舞蹈为什么要数字化?

其实“数字舞蹈”是一个广泛的定义,它应该包括的是舞蹈通过数字化途径的传播及舞蹈的数字化创作。

我们先对舞蹈传播途径进行大的分类,即传统传播方法和数字化传播。传统的包括院校教育、开设培训班、举办舞蹈比赛、发行影音资料及发行书面资料等,数字化传播包括网站架设、舞蹈下载、网络、利用数字技术制作舞蹈并传播等。

传统的传播一般以教育为主,特别是课堂教育。这是舞蹈教学中的重点,无可否认的是,舞蹈必须是以课堂教育为主,因为课堂教育的直接作用对于舞蹈学员的水平提高是最简单和有效的。Www.meiword.cOm

现在具备条件的各大院校或艺术团体均架设有自己的网站,第一时间发布关于自己的信息,并进行舞蹈艺术的跨地区交流。舞蹈是视觉的艺术,影音资料绝对是舞蹈传播的重点,现在的网络传播主要是传播剧照欣赏和影音资料的欣赏。一般一个舞蹈剧目通过压缩处理后的文件大小需要几十分钟时间才能完成网络传递。社会在发展,技术在不断进步,这个时候需要有更好的文件格式、更好的技术来提高网络传递的时间,所以,有人开始利用现有的技术条件制作新的舞蹈影音资料。最原始的应该是动画格式的舞蹈,它们是通过简单的动画制作技术,基本上靠手工绘画来完成,随着音乐制作和剪辑技术水平的提高及舞蹈工作者水平的提高,就出现了专门的舞蹈音乐剪辑队伍,舞蹈音乐制作的最具有代表性的就是mi作,这也是目前最通用的方法。随着舞蹈工作者、爱好者中上网人群的增加以及电脑技术水平的提高,他们不在满足于欣赏那种只有画面没有声音的动画形式的舞蹈,渐渐地就有了其他形式的舞蹈影音资料被制作并在各网站各大间传播,这是一个非常好的现象,它的出现让更多的人体会到舞蹈的精彩魅力,有利于提高全民的舞蹈艺术鉴赏水平,并让更多的人来关心和支持舞蹈事业的发展。

《东北人都是活雷峰》的走红标志着flash时代的来临,此后开始出现大量的原始原始形态的数字舞蹈,它们或是舞蹈片段,或是音乐片段,但都具备了舞蹈的中的舞台、演员、舞美等,并非常强调视觉冲击。这个时候,数字舞蹈制作开始出现。

使用纯粹的数字技术制作,离开了传统的手段和基本条件(演员、灯光、舞台等)而制作出来的可欣赏的舞蹈影音资料,我们给它定义为:数字舞蹈。

数字舞蹈的第一步是舞蹈作品制作和传播,第二步是舞蹈diy,第三步该是舞蹈编排软件才对。

那么究竟什么是数字舞蹈的定义?有过音乐剪辑经验的同志就比较好理解这个定义。

其实音乐剪辑就是数字舞蹈的一个小部分。剪辑音乐一般使用的软件是cooledit。音乐剪辑(还有midi)就是数字处理音乐,普通的音乐只能精确到秒就很好了,数字音乐可以精确到千份之一秒。而且还可以对声音进行特殊处理,去除背景噪音等,一句话就是只有想不到没有做不到。音乐处理的功能就是这样的定义。我们对于完全使用电脑处理的音乐一般称为数字音乐,也叫数字化处理音乐。

数字舞蹈的原理也是这样。它的最终目的让一个舞蹈编导或舞蹈爱好者离开舞台,把心中设想的舞蹈表演变为虚拟的舞蹈现实,甚至是把舞台效果等一切想得到的全部表现在电脑上成为虚拟演示。所以准确地说,数字舞蹈就是虚拟舞蹈演示,是利用电脑技术模拟舞蹈效果(包括音乐、舞台、灯光等)。

数字舞蹈的第二步就是舞蹈diy,这点目前很多人恐怕还无法理解。其实大家的不理解主要是由于我们国家的网络和电脑还没有普及到一定程度的缘故,甚至我们当中大部分人都没有去剪辑音乐的经历,更别说自己动手用电脑剪辑处理音乐来演出。而数字舞蹈是音乐剪辑的上一层次,可以说,只有很熟悉音乐剪辑的人才能很好地理解数字舞蹈这一概念。舞蹈diy就是动作自由组合,也就是把需要的动作与音乐相配,产生自己需要的舞蹈。这一技术特点就是开始积累大量的基础动作并完成简单的舞蹈编排工作,减轻舞蹈编导工作和创作的工作量。

数字舞蹈的最高目标就是舞蹈编排软件,这个目标只有实现了上面两步,才具备技术基础和软件制作需要的条件。

二、数字舞蹈的具体表现及作品

1、网站建设是舞蹈数字化的重要部分和首要条件

舞蹈学院是全国舞蹈艺术类的马首,目前舞院新的网站建设已经完成并投入使用,院校中,广东舞蹈学校、厦门演艺职业学院等也都成立了网站。芭蕾舞团等专业团体也有自己的网站,民间团体中最具有专业水平的的该数成立于2000年的“舞影2000”

3、其他的数字舞蹈

现在有部分院校进行视频教学的试验,即通过摄像头将影象利用网络传输完成异地教学,这是一种新式的舞蹈教学方法,但目前一般用与理论方面的教学,因为基训课、排练课的视频教学还缺少教与学之间互动。正是因为这种形式的出现,在不少的舞蹈中有人发出了“能开一个网上舞蹈班吗?”的帖子。

在不少flansh网站中,也存在有大量的数字舞蹈含量较高的flansh作品,如秋言的《飞》、ruyu的《雨丝》等都是网络上比较有名的带舞蹈动作的flansh作品。还有很多以其他形式存在或正在发展的数字舞蹈我们无法一一列出。

三、舞蹈数字化的意义

我们国家现有6000万的上网人群,而且基本上集中在青少年。青少年正是我们舞蹈教育的重点对象,可以说关系到将来舞蹈的兴衰,他们通过网络更容易接受的相关的知识教育,这些知识可能正是课堂上缺少的 甚至是课堂上所学不到的。所以网站架设及通过网络传播舞蹈的重要意义是不容否定的。

另一方面,现在世界上有大量的中国舞蹈爱好者,众所周知的是在国外很难购买到中国舞的影音资料及教材,甚至没有舞蹈教师,这个时候传统的舞蹈传播局限性就显现出来了。网络的传播恰好可以克服这一弊端,通过网络资源,所有的舞蹈爱好者就没有地域限制,没有国界限制,可以自由进行传播。这一传播内容包括舞蹈图片的欣赏、舞蹈录象的欣赏及舞蹈音乐的交流。通过网络,一个完整舞蹈剧目只需要几分钟就可以完成不限地点的交流。对于资金的节约是无须多解释的,而对于新作品第一时间的交流,其意义就更为重大。

再来假设一下,一个舞蹈作品从编排到最后成为作品,需要投入大量的精力财力物力,同样地使用flansh制作一个数字舞蹈,只需要舞蹈编导在电脑前工作就完成整体的作品,并能清楚看到作品的最后效果,还能随时修正作品中的不足。一方面是创作速度及作品水平的提高,另一方面就是成本的大大降低。

同时,随着网络的普及和舞蹈爱好者上网人群的增加,相关的产业也被带动起来,如电子商务、收费的舞蹈下载等。

随着数字技术水平的在不断提高,舞蹈不再单单只是表演和技巧的简单概念,新的时代赋予舞蹈更多新的内容。舞蹈艺术需要有新的发展,有待于新一代舞者的努力。新一代舞者应该是继承传统的舞蹈内容、发展新的舞蹈。但愿数字舞蹈有更广阔的发展空间!

应对民俗舞蹈发展中的问题_艺术理论论文 第十篇

四. 民间舞蹈在民俗中的支撑作用

民间舞蹈与民俗活动紧密结合,常在重大的民俗活动中进行,是民俗活动中的重要组成部分。传统民间舞蹈一旦成为民俗活动一部分,就具有营造活动氛围、招引参与者、加强民俗的影响力等作用。同时,由于民间舞蹈是一种群众性活动,人人都可以加入到集体的舞蹈行列中来,因而具有广泛的群众基础,能够增近交流、表达集体意愿。

泼水节是傣族一年中最隆重的节日,也是云南少数民族节日中影响最大,参与人数最多的节日。节日期间当象脚鼓敲响的时候,围在鼓周围的男女老少随着鼓点翩翩起舞,跳起象脚鼓舞和孔雀舞。到处洋溢着欢腾的锣鼓声、笑声,到处涌动着挥臂跳跃的舞群,舞蹈传递着快乐、振奋和集体的认同,也将活动氛围推向。

在我国西部的甘、青、宁聚居区,曾经活跃着一种婚俗性民间舞蹈,它就是被誉为“甘青瑰宝”的宴席舞。西北地区群众称儿女嫁娶这一人生之礼为“吃宴席”,因此,凡在婚礼场合表演的歌舞即被称为“宴席曲(舞)”,它曾是民间传统婚礼仪式中不可缺少的艺术形式。在婚礼上,民间艺人们载歌载舞,唱古颂今,热闹非凡。宴席舞曾以独特的艺术形式和丰富的思想内容,在文化当中占有重要地位。宴席舞是一种在特定历史条件下形成的载歌载舞的民间艺术形式。以歌为主,舞蹈为辅,歌舞相融,并与富于抒情性的口头文学融为一体,这是宴席舞最显着的特征。同时,它又是一种进行自娱自乐、体现自我审美价值的重要方式。宴席舞并非简单的情感的抒发,而是以真、善、美来表现一个民族的思想情操。舞蹈的形式与内容,与民俗有紧密的内在联系。的风土人情,直接或间接地融化到宴席舞中,使舞蹈具有浓厚的民族色彩。

在部分民俗活动中,民间舞蹈甚至具有支撑作用。在各种仪式活动中,民间舞蹈的动作无论简单还是复杂,本身就具有对仪式参与者产生潜在影响的能力,当舞蹈应用于相应的仪式活动时,就能成为仪式活动的一种驱动力。常见的神灵附体现象是各种仪式活动中非常重要的一个部分,舞者通过节奏和律动的舞蹈表演,产生出戏剧化或节律化的舞蹈动作,并在连续反复中进入迷狂状态,推动整个仪式达到。

青海热贡地区“六月会”中的法师与队舞之间就是这种沟通人神的典型代表。活动中,代表着神灵的法师和代表着全村人的队舞之间,通过仪式舞蹈中的舞姿与韵律以及整个舞蹈的表演过程进行交流,来强化人与神之间的关系。再如景颇族大型祭祀节日和舞蹈木脑纵歌,土家族大型祭祖仪式和摆手舞,瑶族大型祭祀节日蟆拐节和蟆拐舞等,在这些活动中,舞蹈都是祭祀活动的主要内容,支撑着整个民俗活动。在全民信教地区,仪式性很强的祭祀舞蹈则在一定意义上成为人们信仰的载体。在歌舞发达的青海玉树藏族地区人们这样描述舞蹈的功德:“每跳一回求卓,有念一万遍‘六字经’的功德,每朝觐一次求卓,能驱散你来世的业障”。由此可见,这种祭祀舞蹈早已成为善男信女们观赏与朝觐的对象。从中我们可以看出仪式与舞蹈的关系和舞蹈与民俗之间的关系是何等的密切,由此更显现了民间舞蹈所具有的特殊功能。

在历史的演变、发展中,有多少艺术形式已消失、遗落,而古老的民间舞蹈却能世代流传、久盛不衰。究其原因,还在于传统民间舞蹈紧紧依存于民俗活动,适应于民俗的发展变化,不断地更新、完善,一直深受的喜爱。假如传统民间舞蹈失去了民俗这一载体,就难以延续。以羌族为例,在漫长的民族历史长河中,它形成了丰富而独具特色的民俗文化和艺术形式,其中包含了诸多羌族心灵与精神层面的内容。羌族民间舞蹈有歌舞一体、被称为羌族锅庄的“沙朗舞”,有祭奠古代羌族将士的“铠甲舞”,有源于端公作法时所跳的原始宗教舞蹈“羊皮鼓舞”,有表现婚嫁喜庆的婚礼舞“日西热啦”(喜事舞),有表现祖先崇拜的“祭祖舞”等等。这些古老的舞蹈是羌族生活中的重要组成部分,千百年来,他们以歌舞的形式表达着内心的情感和对生活的憧憬与向往。以舞祭神、祭祖,是对神灵和先民们的一种敬畏和缅怀,以此来激励现世的人们更加珍惜今天的生命与生活。所要强调的是,这些古老的音乐、舞蹈都依附在各类浓郁的羌族民俗文化活动和仪式当中,这是它们所依存的根本土壤。同时,通过肢体语言来表达情感的舞蹈艺术,又在这些重要民俗事项和仪式中起着支撑作用。人们通过舞蹈表达着内心的情感与崇敬,体现着对族群文化的内在的认同感。所以,只有保护好那些重要的民俗事项和仪式,才能较为完整地保护好羌族的文化。只有尊重民俗、顺应民俗才能使传统民间舞蹈充满生机和活力,焕发出新的生命力。

我猜你可能会喜欢:

批评的艺术性运用分析_艺术理论论文十篇

addslashes(摘要:后进生是指班级中思想品德方面表现较差或学习成绩较差或二者皆有的学生,他们人数不多,但在班级中的影响很大。因而,班主任在转化后进生工作中,首先要有防范于未然的思想意识;其次,要了解后进生的心理活动特点,用客观的一分为二的观点评价他们。转化过程中,班主任要发挥教育主导作用,批评必不可少。进行批评教育时,注意抓住批评时机,选用适当的批评方式,合理使用批评用语,就会消除后进生的心理戒心,缓解学生事发)

关于艺术论文八篇

addslashes(关于艺术论文 篇一内容摘要:在歌唱艺术中,声音是情感的载体,情感是声音的灵魂。声情并茂是歌唱艺术最完美的艺术境界,要达到如此的境界,只好捅过艰苦训练才能得以实现,用真情实感的艺术表现与高超的声音技术技巧相结合去演绎作品的艺术内涵,才能正确表达歌唱情感。在歌唱学习与训练中,要正确处理声情关系,注意避免走进重声轻情、重声轻字、重情轻声、声情脱节等误区,使歌唱题高艺术水准,真正达到声情并茂的理想境界。)

美声唱法中共鸣的运用与咬字吐字_艺术理论论文十篇

addslashes(美声唱法产生于17世纪初叶的意大利,词意即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义,它不仅是一种发声方法,还代表着一种演唱风格,一种声乐流派。因此,通常又可译作美声唱法,美声歌曲,美声学派。美声唱法作为来自西方的歌唱艺术形式,已成为我国声乐艺术中不可缺少的一部分,并且为世界声乐艺术领域培养出很多具有高水准的歌唱家。然而,在美声唱法和汉语歌曲融合的过程中,尤其在咬字吐字方面还存在着某些问题,提高美声唱法演)

浅论戏曲舞台化妆_艺术理论论文十篇

addslashes(摘要:化妆造型不是单纯的技术性劳动,而是一门艺术,是一门形象设计科学,它涉及心理学、美学、人文学等方面的专业知识,也涵盖着服饰学、色彩学、化妆造型设计、身势学等领域的内容。戏曲舞台化妆是舞台艺术的重要手段之一,是舞台艺术的重要表现形式。 关键词:戏曲  舞台  化妆  “舞台化妆”,顾名思义,就是演员和化妆人员,为适应剧中人物所要求的外貌特征,采用各种化妆技术手段(包括油彩、毛发、塑形材料、粘贴物)

浅析公共艺术与城市公共空间的定位_艺术理论论文十篇

addslashes(摘要:随着社会的快速发展,城市公共空间中就出现了许多独 特的设计作品,这些作品被称为公共艺术,它与人们的生活联系密 切。也可说,城市公共空间艺术的产生是城市发展的必然现象。公共空间艺术作为城市空间形象表征的存在要素,只有准确的定位才能得到健康的发展。公共艺术作品在设计的时候要符合大众文化,人性化的并具有公 共性、艺术性、开放性等特点,满足这些条件才是当今城市公共空间 最需要的公共艺术。在当今城市人)

浅谈中国画的空白艺术论文十篇

addslashes(从那些优秀的国画作品中我们可以看出,中国绘画是十分重视空白表现的,中国画并不同西方绘画那样用颜色把所有的空间都填满,而是在画面中留有足够的空白。 以下就是浅谈中国画的空白艺术。所谓的这些空白,并不是一无所有,而是有象征性地指某些事物,它可以指水面、天空、烟霞、云雾等等,只是没有用笔墨将它们的形状具体地描绘出来。画面中虽然缺少了这些实景的描绘,但那种云烟缭绕、雾霭蒙蒙的虚幻美却带给了人们更加强烈地心)

追忆今年逝世的23位艺术家_美术论文十篇

addslashes(陈强,著名电影表演艺术家,6月26日逝世,享年94岁。陈强银幕角色众多,却以反派形象著称,其实只塑造了《白毛女》 《红色娘子军》中的两个反派。凌元,著名电影表演艺术家,1月20日逝世,享年94岁。凌元是新中国第一代电影演员,几十年来在银幕上扮演众多形象,多以慈母般老太太形象出现,《锦上添花》中胖大嫂是她的经典角色。《黑三角》中女特务于黄氏是她绝无仅有的反派角色,成为她晚年的代表形象。史掌元,著名农)

虚无主义的历史危机——兼评尼采的阐释艺术_西方哲学论文五篇

addslashes(第一篇 虚无主义的历史危机——兼评尼采的阐释艺术_西方哲学论文内容提要:尼采把西方历史作为道德历史加以阐释。尼采视线中的道德是现代艺术、宗教和哲学所体现的堕落的,具体说,是反生命的价值评价。在《道德谱系》中尼采用心理学作为怀疑精神的手段来揭露道德的来源——教,整个西方历史成为虚无主义来临的的历史,并在现代抵达自身危机的终点。尼采的思想植根于现代世界的土壤,权力意志是尼采所认识的唯一实在。从)

从威廉•加斯《在中部地区的深处》看元小说的艺术特点_英美文学论文十篇

addslashes( 本文为美国著名的元小说家威廉•加斯最具特色的短篇小说,作者将小说分解为三十几个片断,然后加以“阐释”,有的片断仅一两句话。小说虽然是虚构的现实,但作者却从语言上突出了小说的魅力,将元小说的特点表现的淋漓尽致。 [关键词] 元小说 虚构魅力 创作手法 一、元小说的写作特点 1.元小说的结构特点 元小说具有“并置”、“非连续性”和“随意性”的特点,通常被称为小说的小说,作者在创作时打破传统小说对情节)

艺术论文十五篇

addslashes(艺术论文 篇一1. 前沿 我们国家的合唱艺术有着十分悠久的历史,一般少量民族当中存在着相当多的多声部合唱民歌。我们国家在20世纪初期从国外引进了群众合唱的形式,如此我们国家的合唱艺术开始了讯速的发展。但是,在中国专页的合唱艺术事业发展的很缓慢。在中国合唱艺术的发展主要可以分为五个阶段:20世纪50年带的初期民歌合唱;“全国音乐周”前后的创作合唱艺术的;20世纪60年带左右合唱经历了一次大的变革;2)

最新

HOT